12 meilleurs films en noir et blanc sur Netflix en ce moment

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Les films en noir et blanc ne sont jamais seulement en noir et blanc, mais des centaines de nuances entre eux. Les dégradés de gris en noir et blanc en ont fait un chouchou des cinéastes depuis l’époque du muet. Dans les années 1930 et 1940, la Technicolor a rendu tout ce qui était beau à Hollywood. Les cinéastes qui voulaient explorer les nuances des personnages, la gamme des émotions, la profondeur du drame et la nature mercurielle de la personne humaine, ont opté pour le noir et blanc. Des films comme Citizen Kane (1941), The Little Foxes (1941), et les films en noir et blanc ont fait du noir et blanc une niche à l’époque où la couleur était prédominante.

Les films en noir et blanc ont développé au fil du temps une esthétique unique qui leur est propre. À notre époque de révolution numérique, le noir et blanc est toujours très demandé par les cinéastes pour son potentiel esthétique ou politique, mais aussi par les spectateurs pour son expérience cinématographique unique, car les dégradés de gris sont pratiquement infinis, tout comme les émotions humaines. Le grain et les ombres caractéristiques des films en noir et blanc évoquent une nostalgie chez les spectateurs.

L’un des principaux avantages de la cinématographie en noir et blanc est qu’elle permet aux spectateurs de voir la lumière plus clairement, à partir de diverses perspectives en l’absence de couleur. En d’autres termes, nous avons le droit de voir le monde intérieur des personnages sous un autre jour. En apprenant à connaître les personnages et leur espace émotionnel de plus près, cela améliore notre expérience cinématographique en général.  Netflix tient à maintenir et à mettre à jour une liste de films en noir et blanc. Voici la liste des très bons films en noir et blanc sur Netflix qui sont disponibles en streaming dès maintenant.

12. The Magnificent Ambersons (1942)

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Orson Welles The Magnificent Ambersons est un triangle amoureux raconté en noir et blanc. Orson Wells a réalisé ce film pour faire suite à son chef-d’œuvre Citizen Kane. The Magnificent Ambersons se déroule dans le décor de la maison d’Amberson, un décor ostentatoire où vit l’irrésistiblement belle Isabel Amberson, la veuve de Wilbur Minafer et son fils. Quand Eugene Morgan, le beau du passé d’Isabel, revient dans leur vie, le lien d’amour entre la mère et son fils, un enfant riche et gâté, est tendu. Des complications surgissent encore lorsque George devient jaloux de l’intimité de Morgan avec sa mère veuve. Le manoir des Ambersons est le témoin d’une série d’événements terribles dans les jours qui suivent.

11. The Stranger (1946)

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Qualifié de film le plus hollywoodien d’Orson Welles, L’Étranger fait jouer au réalisateur le rôle principal d’un professeur d’université nommé Charles Rankin. Il vit à la campagne avec sa belle épouse, Mary, jouée par Loretta Young. Lorsqu’un Allemand apparemment nerveux, Meineke, arrive en ville, le professeur Rankin devient très perturbé. Lorsqu’il emmène Meineke en promenade dans les bois, cela devient une longue marche vers un passé désagréable et un présent dangereux. Le professeur idéal est révélé à un chef d’état-major nazi notoire et Meineke est son aide-soignant. Une conscience blessée et coupable amène Meineke dans la petite ville pour supplier son ex-supérieur de le laisser partir à sa guise. Mais, le professeur assassine Meineke et enterre ses sales secrets. Mais lorsque le commissaire aux crimes de guerre Wilson arrive dans la ville, déguisé en antiquaire, le professeur a ses secrets enfouis sous la menace d’une exhumation.

10. The Third Man (1949)

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Cette fois-ci, Orson Welles se limite au rôle d’acteur et joue le rôle clé dans le drame mystérieux, Le troisième homme. Holly Martins, un auteur de romans en fascicules qui a publié quelques westerns à son actif, se retrouve dans une situation confuse après avoir appris la mort de son ami d’enfance, Harry Lime. L’arrivée de Martins dans une Vienne déchirée par la guerre a été déclenchée par l’invitation de Lime comme hôte. Peu après les funérailles et d’autres rituels, Martins commence à sentir une conspiration derrière la mort soudaine de Lime après avoir découvert qu’un troisième homme était présent sur la scène de la mort de Harry. Les choses se compliquent lorsqu’il tombe amoureux de la belle amante de Harry, Anna.

9. Strangers on a Train (1951)

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Produit et réalisé par Alfred Hitchcock, Strangers on a Train est un thriller à la limite du possible. Le film suit l’intrigue de deux inconnus qui se rencontrent dans un train et partagent leur complot de meurtre respectif. Lorsqu’une star du tennis rencontre un psychopathe, tous deux apprennent que chacun d’eux a quelqu’un à éliminer dans sa vie. Les deux discutent de leurs théories de meurtre et élaborent des plans tortueux pour échapper à la loi. Le psychopathe tient sa parole et exécute sa part du marché et commence à harceler le joueur de tennis pour qu’il fasse sa part du marché meurtrier.

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8. Frances Ha (2013)

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Frances Ha suit Frances de Greta Gerwig, une apprentie danseuse dans la ville hostile de New York. Elle a un besoin urgent d’un appartement. Sa seule amie dans la ville est Sophie, qui ne parle plus à Frances. Après en avoir eu assez des revers et des négligences sur les plans personnel et professionnel, elle se jette dans un tourbillon de talents dans la ville. Bientôt, Frances se rendra compte qu’elle désire des choses qui sont hors de sa portée. Frances Ha est une citadine qui réfléchit profondément à l’amitié, à la classe, aux ambitions, aux revers et à la résilience.

7. Schindler’s List (1993)

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Basé sur une histoire vraie, le film de Steven Spielberg sur la Seconde Guerre mondiale, Schindler’s List, est une saga de douleur, de perte, de souffrance, de cruauté, d’empathie et d’endurance humaine. Le film, qui est considéré comme un classique moderne, suit Oskar Schindler, un homme d’affaires allemand opérant dans la Pologne occupée par les nazis. Oskar, qui voit dans la terreur nazie une occasion de faire fortune, démarre une usine de fabrication d’ustensiles de cuisine, d’ustensiles et de munitions pour les unités militaires allemandes qui combattent ailleurs. Il utilise généreusement les relations et les pots-de-vin pour obtenir des contrats militaires et engage un comptable juif pour tenir ses livres de comptes intacts. Il emploie la main-d’œuvre non rémunérée des Juifs du ghetto de Cracovie fournie par les troupes nazies.

Pour Stern et d’autres Juifs, travailler à l’usine signifie prolonger leur durée de vie d’un jour ou deux. Mais en 1942, les nazis décident de déplacer tous les Juifs de Cracovie vers le camp de travail forcé de Plaszow. Grâce à un arrangement avec le commandant nazi corrompu, Schindler parvient à faire fonctionner son usine en utilisant les travailleurs juifs non rémunérés. Mais après avoir été témoin de l’horrible situation de ses employés, il réalise que ce travail est la seule chose qui les empêche d’être envoyés au devant de la mort. Schindler complote pour exiger davantage de travailleurs juifs et distribue davantage de pots-de-vin aux chefs nazis pour qu’ils rayent les noms de ses employés des listes. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, Schindler a dépensé presque toute sa fortune pour protéger ses Juifs, sauvant ainsi 1 100 vies innocentes des chambres à gaz des nazis.

6. Gandu (2010)

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Gandu signifie un trou en bengali. Le film est écrit et réalisé par l’un des provocateurs modernes du cinéma indien, Kaushik Mukherjee. Gandu explore la vie chaotique de Gandu, 20 ans, qui est un rappeur en herbe. Gandu vit dans un monde interne surréaliste de drogues et de musique. De toute évidence, son monde extérieur déprimant est monochromatique, dans lequel il vole de l’argent dans le sac à main du client de sa mère, une prostituée. Le rap sert de soupape de sécurité à Gandu pour évacuer sa haine, sa colère, son désespoir et sa dépression, qui font partie intégrante de son existence. Finalement, il plonge tête baissée dans un monde bizarre de drogues, de porno et d’ultra-violence avec son ami Bruce Lee, obsédé par les rickshaw. Nous voyons Gandu mélanger sa réalité avec ses visions surréalistes pour créer sa propre hyper-réalité afin de contrer le monde extérieur hostile.

5. Nazi Concentration Camps (1945)

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Le film de 1945 Les camps de concentration nazis est un document humain déchirant sur des crimes de guerre et des génocides sans précédent. Le film est présenté comme une preuve cruciale au procès pour crimes de guerre de Nuremberg du tristement célèbre Hermann Göring et d’autres dirigeants nazis. Le film est un documentaire officiel compilé à partir de plus de 80 000 pieds d’images conservées par les photographes militaires alliés qui ont réussi à entrer dans les camps de concentration abandonnés par les troupes allemandes peu après la chute du régime hitlérien. Les images montrent des scènes choquantes et dérangeantes de prisonniers juifs et des machines à tuer utilisées pour les exécutions de masse.

4. Let There Be Light (1946)

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Let There Be Light est le dernier volet d’une série de quatre films réalisés par le célèbre cinéaste John Huston pour le gouvernement des États-Unis. Houston suit de près la vie des soldats américains après la Seconde Guerre mondiale et ses conséquences, comme le traumatisme mental et d’autres problèmes psychiatriques. Le film documente plusieurs vétérans de guerre qui traversent l’épreuve des hôpitaux. Houston montre comment les soldats sont hantés par les images et les sons horribles qu’ils ont vécus sur les fronts de guerre. La plupart d’entre eux souffrent de dépression, de diverses phobies et d’un comportement antisocial.

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Let There Be Light s’achève sur une note positive, car de nombreux patients reprennent une vie normale. Au fur et à mesure que les soldats suivent les traitements, beaucoup d’entre eux progressent et commencent lentement à reprendre leur vie en main. Mais l’approche de Houston concernant les conséquences de la guerre sur les soldats a provoqué le gouvernement américain qui a conclu que le film est contre-productif pour les campagnes de relations publiques d’après-guerre. Il a donc été contraint de le garder sous scellés et de ne pas le montrer publiquement avant 1981.

3. Roma (2018)

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Le film Roma du réalisateur et écrivain Alfonso Cuaron est le chouchou des festivals de la saison, avec de nombreux prix et une critique élogieuse. Le film suit Cleo, une employée de maison du quartier de classe moyenne de Roma à Mexico. Cuaron utilise ses propres souvenirs d’enfance et ses expériences pour tisser un récit émouvant sur les femmes qui élèvent une génération. Le film met également en lumière le statut social des femmes dans une société mexicaine dominée par les hommes dans les années 1970. Avec pour toile de fond le soulèvement politique qui a secoué le pays dans les années 70, Roma est l’un des meilleurs films en noir et blanc de ces derniers temps.

2. Mughal-e-Azam (1960)

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Mughal-e-Azam, l’un des films les plus célèbres de l’histoire du cinéma indien, est connu pour sa qualité de production relativement supérieure pour un film indien et pour son chiffre d’affaires record au box-office. Aucun film ne peut gagner plus que la référence fixée par Mughal-e-Azam pour les 15 prochaines années au niveau du box-office. Le film raconte l’histoire d’amour épique du prince moghol, Salim, et d’une belle danseuse de cour nommée Anarkali. Le film met en vedette un ensemble de vedettes dont les superstars du cinéma indien, Prithviraj Kapoor, Dilip Kumar et Madhubala. Le film comporte une chanson en couleur, ce qui a surpris les cinéphiles indiens de l’époque. Le film a répété sa série de succès lorsqu’il a été colorié numériquement et est sorti à nouveau en 2004. Le film figure en tête de nombreuses listes du cinéma indien, même quatre décennies après sa sortie.

1. The Eyes of My Mother (2016)

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The Eyes of My Mother est le premier long métrage gore de Nicolas Pesce. Le film suit une jeune femme vivant isolée dans un endroit reculé. Elevée dans la tragédie et les tendances antisociales, elle les imite et les improvise pour en faire une véritable expérience d’horreur sur d’autres personnes. Mais elle n’a aucune idée que ses actions sont de la pure folie et beaucoup trop gore. Elle reste donc désinvolte, et semble même innocente, calme et contente pour la plupart. Mais elle découpe ses victimes en formes nettes avec une dédicace rituelle et les emballe dans son réfrigérateur. L’une des choses qui rendent Les yeux de ma mère horriblement effrayants, c’est le comportement placide et agréable de la femme lorsqu’elle accomplit les actes les plus effrayants. Cela rend son caractère plus effrayant et dérangeant. Les visuels en noir et blanc ajoutent du mystère et de la peur au gore à l’écran.

Au début du film, nous voyons la petite fille Francisca, qui vit avec ses parents dans une ferme rurale. Sa mère, qui est un ancien chirurgien, montre à la petite fille les détails d’une dissection. Son père est un introverti qui traite sa femme et sa fille comme des étrangers. Lorsqu’un étranger arrive avec de la joie au visage, la maison se transforme en opéra d’horreur.

Même si le réalisateur Pesce ne fait qu’insinuer les actes horribles qui ont suivi, on se rend compte que la mère de Francisca a été tuée et que l’étranger est brutalement mutilé et enchaîné dans la grange. Lorsqu’il demande à la jeune Francesca: Tu vas me tuer, n’est-ce pas?, elle répond: Pourquoi le ferais-je? Tu es ma seule amie. En gardant le pire de la violence et du gore hors de l’écran, le film parvient à avoir un impact psychologique profondément dévastateur sur vous. Une grande partie de l’horreur qui suit la visite de l’étranger est sous-entendue de manière efficace plutôt que montrée explicitement, et le film nous laisse sans sommeil, imaginant ces actes d’horreur en fonction de notre niveau de tolérance.