Pour moi, l’une des nombreuses énigmes de la culture pop est de savoir comment les spectacles d’anime, malgré un fandom mondial, n’ont pas encore reçu l’appréciation du grand public. Beaucoup considèrent encore les dessins animés comme l’équivalent des dessins animés et ont tendance à les considérer comme réservés aux enfants. C’est tout à fait faux pour la plupart des séries de dessins animés. Au Japon, le terme anime désigne tout type d’animation créé pour les médias visuels. Mais pour le reste du monde, le terme anime est un terme familier qui désigne les séries télévisées ou les films d’animation japonais. Avec un style artistique magnifique et distinctif, des mondes immersifs, des personnages intenses et magnétiques et une action extrême, l’anime offre un mélange de divertissement et d’illumination que peu d’autres peuvent maîtriser.
L’anime a trouvé un écho favorable dans le monde entier et continue de faire sa lente incursion dans le courant dominant. L’assaut constant d’un grand nombre de spectacles étonnamment brillants au cours des 25 dernières années n’a fait qu’aider sa cause. En tant qu’Otaku (un terme japonais pour les personnes ayant des intérêts obsessionnels, communément appelé le fandom des anime et des manga), les gens me demandent toujours par quel spectacle ils devraient commencer leur exploration des anime. Et quelle meilleure façon de commencer à explorer le médium que d’en regarder le meilleur!
Voici donc la liste des plus grandes animations issues du Pays du Soleil Levant. Les jeunes amateurs d’anime trouveront cette liste très pratique à ajouter à leurs listes de surveillance, tandis que l’ardent Otaku-san tentera de me tuer pour ne pas avoir inclus leurs émissions préférées dans cette liste (désolé, fans de Naruto, Bleach et Pokemon!). Pour ma part, j’ai fait de mon mieux pour poser un avis objectif sans laisser mon fandom individuel se mettre en travers. Lisez la suite! Voici la liste des meilleurs spectacles d’anime de tous les temps.
12. Steins/Gate (2011)
Vue d’ensemble de la parcelle: Okabe Rintarou, un étudiant universitaire qui se qualifie lui-même de scientifique fou, et ses travaux de laboratoire sur un appareil à micro-ondes qui peut transférer des messages vers le passé. Sans se faire capturer, ils doivent le faire fonctionner afin de déjouer le plan diabolique de l’organisation maléfique SERN.
Les personnes qui jugent les émissions sur la base d’un seul épisode pourraient abandonner Steins/Gate sur-le-champ. Mais pour ceux qui s’en sortent, une histoire séduisante les attend. Steins/Gate parvient à équilibrer avec aisance une intrigue unique contenant un voyage dans le temps (ce qui est rare dans les anime) et des personnages intéressants. La série commence lentement, en mettant l’accent sur la comédie avant de choisir un rythme rapide sur le plan de l’intrigue, car elle induit le spectateur en erreur en passant la première moitié de la série à la comédie avant de se transformer en thriller pour la seconde moitié. Les personnages grandissent eux aussi, à mesure qu’ils s’étoffent et que leur histoire se met en place. L’aspect voyage dans le temps est pensé en profondeur et mis en avant de manière intelligente, ce qui, dans de nombreuses séries, a tendance à gâcher The Flash! *touffe*. Une douce concoction de science-fiction et d’animation sans l’habituel flash.
11. Attack On Titan (2013-Present)
Vue d’ensemble de la parcelle: Dans 2 000 ans, les humains auront été presque exterminés par les titans. Les titans ont généralement plusieurs étages, semblent n’avoir aucune intelligence et dévorent les êtres humains pour le plaisir. Un petit pourcentage de l’humanité a survécu en s’emmurant dans une ville protégée par des murs extrêmement hauts. La ville n’a pas vu de titan depuis plus de 100 ans. Mais un jour, Eren et sa sœur adoptive Mikasa assistent avec horreur à la destruction des murs de leur ville par un titan colossal. Alors que les petits titans inondent la ville, un Titan souriant mange leur mère vivante. Rejoint par Mikasa et leur ami Armin Arlert, un Eren tenace jure de débarrasser le monde de tous les Titans et de reconquérir la liberté pour l’humanité.
Attack On Titan est un cas parfait pour une animation adaptée aux adultes. Le spectacle présente un graphisme saisissant et ne craint pas les détails sanglants. Comme un film de Tarantino, c’est une corne d’abondance de mort et de destruction, qui est assez dérangeante pour vous donner envie de détourner le regard mais assez engageante pour vous rendre curieux de ce qui va se passer ensuite. Mais au-delà du gore, l’exposition se vante de magnifiques œuvres d’art de paysages tentaculaires. Ce qui le distingue cependant, c’est qu’à la différence de tant de protagonistes d’anime fantastique, Eren n’a pas de pouvoirs surnaturels et se développe organiquement grâce à sa propre volonté et au soutien qui l’entoure. Au-delà de ses émotions évidentes, AOT a également été salué pour sa présentation d’un scénario à plusieurs niveaux qui fait ressortir diverses interprétations politiques du monde entier.
10. FLCL (2000-2001)
Vue d’ensemble de la parcelle: Le FLCL tourne autour de Naota Nandaba, un garçon de 12 ans, issu de la classe ouvrière, qui vit avec son père et son grand-père, tous deux veufs. Sa vie est interrompue par l’arrivée de Haruko Haruhara, qui écrase Naota avec son scooter jaune Vespa 180 SS, lui fait la réanimation cardio-respiratoire, puis le frappe à la tête avec une guitare vintage bleue. Naota découvre que le coup porté à sa tête a créé un portail N.O., d’où émergent périodiquement des robots géants. Naota découvre plus tard que Haruko travaille dans sa maison comme femme de ménage. On découvre plus tard que Haruko est enquêteur pour la confrérie de la police de l’espace galactique. Haruko utilise Naota pour sa recherche du Roi Pirate, Atomsk. Elle est en désaccord avec Medical Mechanica, une société industrielle monolithique. Naota est surveillée par le commandant Amarao, un agent spécial du Bureau de l’immigration interstellaire, qui pense que Medical Mechanica est à la conquête de la galaxie. Naota est finalement entraînée dans une bataille à trois entre Haruko, Amarao et Medical Mechanica.
L’aperçu de l’intrigue ci-dessus était peut-être plus déroutant qu’instructif. La FLCL (ou Fooly Cooly) répond à la question Et si David Lynch faisait un anime léger? Cette saga de passage à l’âge adulte très déroutante semble bizarre au premier abord, mais il y a une méthode à cette folie,. À travers la vie d’enfant de Naota, qui grandit dans un endroit où rien ne change, et qui est secouée par un simple incident, ses thèmes de passage à l’âge adulte et de maturité se dévoilent, ainsi qu’un aperçu de la psyché des adolescents modernes. Avec un style étonnamment changeant et un score de folie, la FLCL marque des points pour ses expériences dans le département technique également. À travers des robots, du rock and roll et de l’humour brut qui suinte de chaque trame, la FLCL parvient à explorer les thèmes de l’amour, de l’amitié et de la découverte. C’est une de ces émissions qui ne s’expliquent pas avec des mots. Regardez-le pour le ressentir.
9. Samurai Champloo (2004)
Vue d’ensemble de la parcelle: Samurai Champloo se déroule dans une version alternative du Japon de l’ère Edo (1603 à 1868) dans un décor anachronique, à prédominance hip hop. Il suit Mugen, un épéiste orphelin, impudent et épris de liberté, ancien pirate et innovateur; Jin, un samouraï calme et stoïque; et Fuu, une fille courageuse qui leur demande de l’accompagner dans sa quête à travers le Japon pour trouver le samouraï qui sent le tournesol.
Samurai Champloo est l’un des nombreux spectacles du genre court mais plein à craquer d’une extraordinaire génialité qui ont marqué l’histoire du cinéma d’animation. La série n’a diffusé qu’une seule saison de 26 épisodes, mais chaque image est une réussite stylistique. Avec trois personnages magnétiques distincts, une bande-son hip-hop époustouflante (!) et certains des combats d’épée les plus cool, non seulement dans les anime, mais dans tous les divertissements, Samurai Champloo est un excellent point d’entrée pour un débutant qui veut se lancer dans les anime. Le réalisateur Shinichiro Watanabe, qui a une autre entrée beaucoup plus haut dans la liste, est un tour de force d’innovation car il réunit les cultures d’Okinawa, du hip hop, du Japon moderne et du chanbara (cinéma samouraï). Cet étrange mélange d’histoire et d’anachronismes modernes par le camion (il y a du beatboxing et du breakdancing!) le rend aussi bien hystérique que sanglant.
8. Code Geass: LeLouch Of The Rebellion (2006-2012)
Vue d’ensemble de la parcelle: Se déroulant dans une ligne de temps alternative où le Japon est une colonie du Saint Empire britannien, la série se concentre sur la façon dont l’ancien prince Lelouch Dean vi Britannia obtient un pouvoir connu sous le nom de Geass, qui fait obéir n’importe qui à n’importe quel ordre, et décide de l’utiliser pour anéantir l’empire. Il devient Zéro, le visage de la rébellion contre l’empire.
Voici un spectacle que tous les fans de superhéros vont adorer. Avec un protagoniste qui se débat avec des dilemmes moraux et devient un justicier (un peu comme Batman) et a le pouvoir de faire obéir les gens à ses ordres (comme le méchant de Marvel Kilgrave!) et est entouré de lignes moralement grises partout. Ce qui fait cliquer Code Geass, c’est sa prise de conscience plus ou moins rapide. Le spectacle peut, à un moment donné, remplir chaque image avec une séquence d’action et le moment suivant peut ralentir pour accentuer une séquence tragique. Un mélange parfait d’une grande intrigue universelle, d’un monde en jeu, de personnages qui suscitent l’empathie même au milieu d’une grande intrigue, d’une bonne dose d’action et d’une pincée (ou plus) de mélodrame garantit que Code Geass a quelque chose à offrir à tout le monde. La série a également été adaptée en divers mangas et romans légers, le premier montrant divers scénarios alternatifs de la série télévisée, contrairement à la tendance qui consiste à adapter les mangas en anime.
7. Legend Of The Galactc Heroes (1988-1997)
Vue d’ensemble de la parcelle: Dans le lointain avenir de l’humanité, deux États interstellaires – l’Empire galactique monarchique et l’Alliance démocratique des planètes libres – sont impliqués dans une guerre sans fin. L’histoire se concentre sur les exploits des rivaux Reinhard von Lohengramm, un monarque oppresseur expert en tactiques militaires et Yang Wen Li, un historien en herbe qui gravit les échelons grâce à ses capacités de maître tacticien alors qu’ils accèdent respectivement au pouvoir et à la gloire dans l’Empire Galactique et l’Alliance des Planètes Libres.
LOTGH est l’une des études de personnages les plus abouties qui soient, montrant une parfaite rivalité idéologique entre deux rivaux respectueux à travers une écriture d’as. Les différences sont les approches des deux personnages: Lohengram veut plus de pouvoir pour effectuer un changement qu’il souhaite et Yang n’en veut pas. Ils veulent la même chose pour leur peuple et auraient pu être amis si les situations avaient été différentes. La série s’intéresse à la politique, aux personnages et à la stratégie militaire, tout en étant grandiose et en faisant preuve d’un style qui rend absolument justice à son étiquette Space Opera (elle reprend même des morceaux de musique classique comme 2001: A Space Odyssey!
6. Death Note (2006-2007)
Vue d’ensemble de la parcelle: Après qu’un lycéen intelligent mais cynique commence à nettoyer le monde du mal à l’aide d’un carnet magique capable de tuer toute personne dont le nom est écrit dessus, les autorités internationales font appel à un mystérieux détective connu sous le nom de L pour contrecarrer ses efforts.
Plutôt que de s’appuyer sur d’innombrables séquences d’action au milieu de flashs de lumière pour ses frissons, Death Note s’appuie sur son écriture lisse et spirituelle, ses personnages excentriques et sa tension croissante pour maintenir le spectateur au bord de son siège. L’intrigue imprévisible se déroule à merveille et, malgré sa complexité, n’est pas incompréhensible. Il s’agit d’un jeu constant du chat et de la souris entre L et la présumée Kira (tueuse) qui se déjouent l’une l’autre à tour de rôle. Le protagoniste, Light, qui veut être le nouveau dieu en débarrassant le monde de son mal, est un personnage imparfait et présente des nuances de gris foncé, ce qui rend l’ensemble de la série un peu plus sombre que les séries animées classiques. Les amateurs de thrillers à personnages comme No Country For Men doivent regarder cette série dès que possible!
5. Dragon Ball Z (1989-1996)
Vue d’ensemble de la parcelle: Dans la suite de l’anime original Dragon Ball, Dragon Ball Z suit les aventures du protagoniste Goku qui, avec ses compagnons, défend la Terre contre un assortiment de méchants allant des chasseurs et conquérants intergalactiques de l’espace, des androïdes anormalement puissants et des créatures presque indestructibles. La série passe par quatre sagas principales: Saiyan, Freeza, Cell et Majin Boo.
Que dire maintenant de ce phénomène mondial de spectacle massivement populaire? DBZ a été mon introduction aux anime et c’est une série dont tous les enfants des années 90 n’ont pas besoin d’être informés (mais je vous donne un bon conseil: allez chercher les versions non censurées). Malgré une série de 291 épisodes, DBZ a réussi à créer des personnages superposés avec des histoires qui remontent le temps tout en conservant un scénario simpliste (tuez la menace intergalactique!). Nous verrions nos personnages préférés faire équipe, mourir et revenir pour détruire ce qui leur fait face pour l’éternité! Certes, certaines séquences de combat sont fastidieuses (c’est l’une des raisons pour lesquelles Bleach et Naruto ont raté le coche), mais les protagonistes (et même les antagonistes) de DBZ sont assez exquis pour vous garder collé. La popularité de Dragon Ball Z a donné naissance à de nombreuses sorties qui représentent la majorité du contenu de l’univers Dragon Ball, dont 17 films et 148 jeux vidéo (et un million de coiffures à pointes!). Un anime mammouth qui vaut la peine d’être vu.
4. One Piece (1999-Present)
Vue d’ensemble de la parcelle: Il était une fois un pirate nommé Gol D. Roger connu sous le nom de Pirate King. Lorsqu’il a été capturé et sur le point d’être exécuté, il a révélé que son trésor appelé One Piece était caché quelque part sur la Grand Line. De nombreuses personnes se sont alors mises à chercher et à découvrir le trésor, mais elles ont été contrariées par la Grande Ligne. Vingt-deux ans après la mort de Roger, Monkey D. Luffy, un garçon dont le corps a acquis les propriétés du caoutchouc après avoir mangé involontairement un fruit du diable, explore la Grande Ligne en tant que capitaine d’un petit groupe de pirates, connu sous le nom de Pirates au chapeau de paille, à la recherche du One Piece afin de devenir le prochain Roi Pirate.
D’une série follement longue à l’autre. OP a été adapté du manga du même nom, qui s’est vendu à plus de 416 millions d’exemplaires dans le monde, ce qui en fait la série de manga la plus vendue de l’histoire. Et cet anime de près de 20 ans permet de se rafraîchir grâce à l’assaut continu de personnages dont certains sont adorables, d’autres hilarants, d’autres encore méprisables, mais tous intéressants. La principale bande d’absentéistes les coiffe tous cependant, avec Luffy, qui s’intéresse plus à la nourriture et aux nakamas (amis) qu’à l’or et à l’argent, est plus comique que pirate. Mais il est aussi un modèle de détermination lorsque le moment est venu. One Piece est un anime rare, à la fois chaleureux et sincère, qui parle de suivre ses rêves et de s’amuser comme un fou en cours de route. Une grande aventure et une bonne dose d’humour font que ce film plaira certainement aux fans de POTC.
3. Neon Genesis Evangelion (1995-1996)
Vue d’ensemble de la parcelle: Evangelion est un anime apocalyptique, qui se déroule dans un Tokyo futuriste quinze ans après un cataclysme mondial. L’histoire est centrée sur Shinji, un adolescent qui est recruté par son père dans l’organisation obscure Nerv pour piloter une bio-machine géante appelée Evangelion afin de lutter contre des êtres monstrueux connus sous le nom d’Anges. L’émission traite des émotions de
Le titre de la chaussure se traduit littéralement par L’Evangile du nouveau siècle, ce qui est une façon parfaite de le résumer. Il commence comme n’importe quel autre anime de science-fiction mecha divertissant, mais se transforme rapidement en un tour de montagnes russes d’émotions et de symbolismes. Ce qui commence comme une histoire de sauvetage du monde avec de belles illustrations se transforme en un drame psychologique choquant et puissant, plein de conspiration, de personnages dysfonctionnels, d’énigmes existentielles et de certaines des scènes de combat les plus émotionnelles et les plus douloureuses jamais vues. La série se concentre sur des personnages qui se battent contre eux-mêmes et leurs démons intérieurs plutôt que contre les monstres qui menacent leur existence. Les thèmes religieux et les allégories dérivées de la Kabbale, du christianisme et du judaïsme imprègnent la psyché de toute la série et la rendent aussi stimulante qu’un sermon freudien. NGE est une pièce d’anime évocatrice, qui vous fera réfléchir pendant des éons.
2. Fullmetal Alchemist: Brotherhood (2009-2010)
Vue d’ensemble de la parcelle: Deux frères perdent leur mère à cause d’une maladie incurable. Avec le pouvoir de l’alchimie, ils tentent d’utiliser des connaissances taboues pour la ressusciter. Le processus échoue, et comme bilan de l’utilisation de ce type d’alchimie, le frère aîné, Edward Elric, perd sa jambe gauche tandis que le frère cadet, Alphonse Elric, perd tout son corps. Pour sauver son frère, Edward sacrifie son bras droit et est capable de fixer l’âme de son frère sur une armure. Avec l’aide d’un ami de la famille, Edward reçoit des membres en métal – automail – pour remplacer ceux qu’il a perdus. Edward s’engage à chercher la pierre philosophale pour rendre aux frères leur corps d’origine, quitte à devenir alchimiste d’État, c’est-à-dire à utiliser son alchimie pour l’armée.
C’est la deuxième adaptation du célèbre manga du même nom, et contrairement à son prédécesseur, Brotherhood est une relecture fidèle et révérencieuse du manga et c’est là qu’il fait mouche. FMAB possède tous les ingrédients nécessaires pour devenir l’anime grand public par excellence: deux personnages en or qui valent la peine d’être encouragés, un univers fantastique d’une grande portée, une horde de personnages qui s’intègrent tous d’une manière ou d’une autre à l’image, et un mélange de sensibilité émotionnelle et d’action en octave, avec une pincée de romantisme et d’humour pour faire bonne mesure. Sur le plan artistique également, la FMAB triomphe en capturant l’âme fluide du manga qu’elle s’efforce de recréer, et elle le fait avec conviction; il n’y a guère de cadre inutile ou langoureux dans toute cette série de haute valeur de production, au rythme effréné. La capsule est le point culminant, qui est l’une des expériences les plus mémorables et les plus satisfaisantes que j’ai vécues, et fait descendre les rideaux en douceur. FMAB est une leçon 101 sur la façon de réaliser un droit d’anime.
1. Cowboy Bebop (1998-1999)
Vue d’ensemble de la parcelle: Spike Spiegel est un chasseur de primes spatial en l’an 2071 avec une attitude facile et des compétences en arts martiaux à mourir. Avec ses compagnons Jet Black, et plus tard Faye Valentine, il voyage à travers la galaxie dans le vaisseau spatial Bebop pour capturer des fugitifs de grande valeur.
C’est LA série de passerelles pour devenir accro à l’anime pour tout le monde. Alors que dans Samurai Champloo, Shinichiro Watanabe a mêlé une culture hip anachronique à une histoire de samouraï, ce premier long métrage de qualité supérieure le voit s’internationaliser; il crée une histoire en hommage aux westerns et aux films de fiction, mais dans l’espace, avec des airs de jazz entremêlés, et sans sacrifier l’authenticité de l’œuvre d’art du style anime! Il s’agit d’un mélange de plusieurs genres, dont la comédie grinçante, le polar, l’action-fiction et les thrillers, et le film noir en plus de son noyau occidental. De plus, Cowboy Bebop explore une pléthore de thèmes philosophiques, dont l’existentialisme, l’ennui existentiel, la solitude et l’effet du passé sur les protagonistes. Pour couronner le tout, il y a une multitude de références et de trucs à chapeau pour tout le monde, de John Woo à Stanley Kubrick. Le Cowboy Bebop est un cocktail de chef-d’œuvre, à la fois exaltant et contemplatif.