Les 20 films les plus méconnus des années 2010

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Bien que la deuxième décennie du nouveau millénaire ait révélé une légère déviation dans les possibilités cinématographiques éprouvées de la première vague du 21e siècle, cette ère de la culture cinématographique qui s’écoule n’en mérite pas moins d’être examinée, discutée et appréciée. Au cours des dix dernières années, l’esprit du cinéma postmoderne a été une exposition oscillante des dernières insuffisances et du potentiel interminable de ce média.

Il y a certainement des gagnants du Best Picture et des chouchous des critiques qui rempliront les marges des listes de la décennie à venir. Dans cette pièce, nous reconnaissons les films qui ont atteint une certaine grâce, voire une certaine grandeur, et qui ont été laissés sans cérémonie au bord du chemin dans les espaces toujours plus étroits de l’attention quotidienne du spectateur. Pour ne pas perdre de temps, voici quelques-uns des films les plus sous-estimés, sous-évalués ou, à tout le moins, sous-vus de la décennie selon une subjectivité incontournable.

20. A Cure for Wellness (2017)

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Souvent, c’est le plaisir inoffensif qui fait tourner le nez des critiques – parmi les nouveaux exemples, citons Venom, Godzilla: le roi des monstres et même L’ascension de Skywalker. Cependant, l’horreur est telle que le volume des excréments du genre rend difficile l’identification d’une perle oubliée. Les réactions désapprobatives à A Cure for Wellness laissent penser que le dernier film de Gore Verbinski est à la hauteur d’une suite d’Annabelle.

Avec un prodigieux sens de la paranoïa, un milieu très frappant et une escalade démodée vers l’hystérie conceptuelle, A Cure for Wellness regorge de stratagèmes psychologiques et d’énigmes fantastiques pendant ses deux heures et demie. La saga des sanatoriums suisses (basée sur la littérature allemande) se glisse de façon mémorable dans la catégorie des films enivrants centrés sur la psychiatrie comme Shock Corridor, Shutter Island et même Unsane de 2018. A Cure for Wellness devrait finalement devenir un film culte et, après Rango, devenir la création la plus étrange de Verbinski.

19. World War Z (2013)

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Après une production tristement célèbre et extrêmement coûteuse, il semblait trop probable que la Guerre mondiale Z ne serait pas à la hauteur des attentes. Les réactions ont été légèrement positives à la fin, malgré les plaintes des puristes zombies sur la façon dont Paramount a dilapidé la portée objective et encyclopédique de la matière première. La configuration directe et globe-trotter du récit du film marie logiquement des éléments de film catastrophe au nombre minimum de personnages, réduisant chaque cas de crainte et d’émerveillement au niveau individuel comme le devraient idéalement ces superproductions.

Marc Forster a eu l’habitude de diriger des productions de 200 millions de dollars par le biais de leur montage traître, comme il l’a fait avec Quantum of Solace au lendemain de la grève de la Writer’s Guild of America en 2007-2008. Certaines séquences sont dignes de Steven Spielberg ou peut-être même de David Fincher, qui a été pendant un temps attaché à la réalisation d’une suite désormais annulée. Une relecture de cette apocalypse ne passerait pas inaperçue, car les films d’horreur et d’action sont rarement bien consolidés. Mais comme la Chine interdit tous les films mettant en scène des zombies ou des fantômes, les conditions financières ne seront probablement jamais assez favorables.

18. Thoroughbreds (2018)

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Les débuts prometteurs de l’indie sont innombrables, mais les pur-sang se sont distingués par des niches dans un créneau. Ce thriller adolescent de comédie noire s’appuie sur la critique de classe, la satire nihiliste et des titillations troublantes. La voix cristalline du scénariste-réalisateur Cory Finley offre une vision svelte et assurée. Célèbre pour avoir interprété le dernier rôle d’Anton Yelchin avant sa mort prématurée en 2016, le jeune talent du film est utilisé en conséquence. Les rôles principaux Olivia Cooke et Anya Taylor-Joy jouent des lycéens idéologiquement contradictoires dont la principale activité extrascolaire est le meurtre clandestin d’un beau-père malfaisant.

Avec des thèmes uniformément semés et un esprit de rébellion blasé, Thoroughbreds est efficacement scénarisé, marqué et tiré. Bien qu’il ne soit pas différent des précédentes sélections de Sundance, Cooke s’est fait un nom dans le film favori du festival, Me and Earl and the Dying Girl. C’est l’exception diaboliquement satisfaisante à la règle selon laquelle les films indépendants de la saveur du mois doivent dépérir après un moment fugace au soleil.

17. Youth in Revolt (2010)

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Youth in Revolt est l’une des comédies les plus savoureuses et les plus divertissantes de son époque. Lancée en janvier 2010, elle a été l’une des premières sorties nationales de la décennie. Contrairement à presque toutes les sorties de janvier, cependant, elle n’était pas trash, et la comédie de Michael Cera a inauguré la nouvelle ère avec un attrait atypique.

La fantaisie fausse a programmé Youth in Revolt pour qu’il soit généralement ignoré par presque tout le monde, sauf par les adolescents branchés. Ainsi, bien qu’il soit adapté à la marque particulièrement gênante de Cera, le genre Juno et Nick and Norah, l’adaptation de l’entrée en âge est sporadiquement turbulente, précisément prétentieuse et régulièrement drôle.

Cette double performance a permis à Cera de dévoiler sa gamme – son alter ego François Dillinger est un foil hilarant aux inhibitions de Nick Twisp. Avec des touches de comédie romantique post-moderne, des échanges de dialogues époustouflants et un potentiel culte à revendre, Youth in Revolt restera un trésor enfoui pour tous les amateurs de comédie apathiques qui décideront de tenter leur chance dans un tel bouleversement.

16. The Neon Demon (2016)

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Depuis la décennie précédente, Nicolas Winding Refn a progressivement cherché à accroître ses expérimentations cinématographiques et à approfondir une minutie optique désormais très distincte. Le démon néon, et dans une mesure presque identique Seul Dieu pardonne juste avant, renonce à la narration conventionnelle pour arriver à des conséquences artistiques qui sont loin d’être concluantes. Cependant, le scrupule audiovisuel est sa propre récompense lorsque des lueurs d’étonnement et de sublimité gratifiantes sont en réserve.

Certaines des sections les plus proches de la bande-son de The Neon Demon – fournies par Cliff Martinez, ancien membre de Captain Beefheart, Red Hot Chili Peppers et collaborateur régulier de Steven Soderbergh – vous plongent dans un brouillard électronique, en exagérant chaque image radieuse et en accentuant le sous-texte substantiellement superficiel. The Neon Demon laisse perplexe en raison de son dernier acte plus désordonné et peut-être même un peu décevant dans sa totalité, mais peu de films sont aussi anormalement resplendissants et encore moins de cinéastes sont aussi têtus sur le plan stylistique ou aussi francs sur le plan futuriste.

15. Submarine (2011)

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Richard Ayoade est un acteur légitimement singulier. Il n’est donc pas surprenant que les bizarreries désespérément drôles de son premier film Submarine, ainsi que sa suite astucieusement macabre The Double, n’aient réussi à attirer qu’un petit nombre de spectateurs. Façonnée par des seconds rôles mélancoliques, une atmosphère glaciale et un esprit sec comme le désert, l’adaptation romanesque désolée de Bildungsroman, Salinger, est presque trop singulière et difficile pour son propre bien, tout comme son auteur-réalisateur pointilleux.

Le montage espiègle, les récitations de scénarios conscients de soi et les mises en scène et rappels solennellement étranges sont tous des reflets authentiquement inspirés des tics d’Ayoade – après tout, c’est lui qui a consacré un livre entier à disséquer une comédie romantique de Gwyneth Paltrow oubliée en 2003. Submarine est une rumination perturbée sur la puberté, les 400 coups du beatnik actuel – le riff d’Ayoade sur Truffaut est caustique et rusé.

14. Hunt for the Wilderpeople (2016)

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Avant que Taika Waititi ne reprenne le flambeau du cinéma de Thor avec la rénovation ludique de Ragnarok, mais après qu’il se soit finalement glissé dans le courant dominant avec son mockumentariste de vampires révolutionnaire What We Do in the Shadows, Hunt for the Wilderpeople a été un admirable tremplin pour l’acteur, le scénariste et le réalisateur néo-zélandais. Malgré l’approbation collective de la critique, le public a en quelque sorte dormi sur celui-ci, mais le film mérite autant d’acolytes que le film Marvel moyen. Le détour largement méconnu dans la carrière du Kiwi est très agréable – c’est une farce de survie débordante d’hilarité, de tendresse et de somptueuses vues panoramiques en plus.

La chasse à la jeune star des Wilderpeople, Julian Dennison, qui allait revendiquer sa propre position de superpuissance dans Deadpool 2, est délicieusement confiante, et la performance grizzly et bourruede Sam Neill est sa meilleure performance du siècle.

Les deux forment un joyeux mélange de hors-la-loi mal assortis. Entre-temps, Jojo Rabbit est deux fois plus effronté et moins cher, mais la parodie de la jeunesse hitlérienne a reçu la majorité des louanges de Waititi. Le charme effervescent de Hunt for the Wilderpeople lui assure une place de comédie dramatique d’aventure sans prétention et adorable, synthétisant habilement la bêtise et les émotions réelles reconnaissables.

13. Hanna (2011)

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Au début, Joe Wright semblait résolument destiné à la gloire des Oscars après son adaptation compétente de Jane Austen, Pride & Prejudice et tous les projecteurs de l’Académie passés sur Atonement peu après. Depuis son succès fondateur, la carrière de Wright a été un mélange de désordre, allant de l’appât des prix ratés (The Soloist) à la stylisation complaisante de la triste littérature russe (Anna Karenine), en passant par des flops futiles (Pan), jusqu’à l’appât des prix mieux habillés (Darkest Hour).

Entre les étapes qui ont fait dérailler sa carrière, Hanna a trouvé Wright en train de mettre son savoir-faire au service de prises ininterrompues et de protagonistes introvertis dans l’intérêt d’une histoire d’assassinat merveilleusement minimaliste. Saoirse Ronan, Eric Bana et Cate Blanchett sont à la hauteur de leurs archétypes essentiels, les Chemical Brothers font disparaître l’idée de l’acte de musique électronique transformé en compositeurs de films (prenez THAT Daft Punk) et les brefs épisodes d’action sont des réussites impressionnantes.

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12. The Immigrant (2014)

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En dépit d’une série de nobles efforts, James Gray n’arrive pas à faire correspondre son travail aux normes hollywoodiennes, car la réponse relativement discrète à Ad Astra semble se consolider. Après ses collaborations avec Joaquin Phoenix dans We Own the Night et Two Lovers, Gray a écrit The Immigrant en pensant explicitement à l’acteur qui sera récompensé par un Oscar. Mais ce que Gray admet comme son projet le plus personnel est aussi un piédestal pour la grâce pure de Marion Cotillard (qui a donné l’une des représentations les plus raffinées de sa carrière avec Two Days, One Night) et une autre vitrine pour Jeremy Renner, qui s’avère à nouveau être un acteur de soutien fiable.

Contrairement à la brume douce, les fleurs luminescentes de Gray stabilisent le côté miteux du décor des années 1920 avec un embellissement choisi – il n’oublie jamais l’assujettissement et l’exploitation au centre de l’histoire. Les détails visuels de l’Immigrant sont similaires à ceux de La ville perdue de Z, avec une tangibilité spécifique à l’époque et aux intempéries. C’est une tragédie classique qui semble avoir été arrachée et restaurée à partir d’archives cinématographiques centenaires.

11. Contagion (2011)

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La constance de Steven Soderbergh peut être effrayante. Tout ralentissement identifiable dans sa carrière a été corrigé si rapidement qu’on ne peut jamais reprocher au réalisateur confirmé d’être le maillon faible occasionnel de la chaîne filmographique (ahem, Ocean’s 12). Les films de cet homme sont si habituellement soyeux qu’il est aussi facile de tomber sur des joyaux que de choisir quelque chose au hasard dans son œuvre. Au cours de la dernière décennie, vous avez pu choisir entre la froideur clinique de Unsane, Logan Lucky et ses détournements de fonds, la prescription cryptique de Side Effects ou le sombre espionnage de Haywire comme prix non reconnu, tandis que les récents films de Netflix comme High Flying Bird et The Laundromat n’ont pas été mauvais non plus.

Mais Contagion, avec son cadre apocalyptique pragmatique, sa cinématographie numérique succulente, symptomatique de Soderbergh (qui est souvent son propre caméraman sous le nom de Peter Andrews), un casting tentaculaire et sûr et une bande sonore superbement gluante de Cliff Martinez, est aussi clairement sous-estimé que tout autre film de Soderbergh de cette période.

Si la fiction pandémique concoctée par Soderbergh n’était pas aussi scientifiquement plausible, il serait de mauvais goût de susciter la panique du public à l’égard du virus H1N1 pour en faire un catalyseur crédible du film sur la catastrophe intelligente. Au lieu de cela, Contagion est d’une poignante intensité inquiétante – c’est aussi l’un des rares films à utiliser efficacement un récit fragmenté et diversifié sans changer les personnages séparés ou se dérouler comme un téléfilm.

10. Somewhere (2010)

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Sofia Coppola a trouvé une base familière dans la majeure partie de ses efforts de réalisation de films après son apogée évidente – Lost in Translation de 2003. Cependant, son quatrième film est particulièrement fidèle à son tempérament de réalisatrice. Elle s’est quelque peu éloignée de son obsession pour la désillusion des privilégiés, avec des études de personnages historiques (Marie-Antoinette), de vrais voleurs adolescents (L’Anneau de Bling) et des remakes des années 70 (Le Béguin), bien que toute sa filmographie se situe dans les mêmes méditations méticuleuses sur l’isolement dans toutes ses variations.

Somewhere semble être un compagnon subsidiaire du démantèlement de la célébrité dans Lost in Translation, mais il possède toujours la maîtrise apaisante de son plus bel ouvrage. L’intuition de Coppola pour les sélections de bandes sonores contribue à l’ambiance tranquille qu’elle a bricolée depuis The Virgin Suicides. Elle capture un instantané agile et succinct d’une relation père-fille dans Elle Fanning et les personnages introvertis de Stephen Dorff. Le film examine comment la célébrité quotidienne transforme le malaise aristocratique en une nature morte désenchantée.

9. 20th Century Women (2016)

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Mike Mills a récupéré l’art tragiquement dépassé des relations personnelles et anthropologiques du passé (1979 pour être exact) à un présent qui a plus que jamais besoin d’un cinéma humaniste. Aussi sincère dans son scénario que dans son collectif d’interprètes naturalistes, les contemplations historiques et autobiographiques des femmes du XXe siècle ont peut-être permis d’obtenir une nomination pour le meilleur scénario original, mais sa stature parmi les cinéastes est indûment insuffisante. Les films qui parviennent à atteindre un niveau de salubrité et de véracité confessionnelle aussi élevé que celui de Mills, dont le film Beginners est le plus apprécié à ce jour, sont par essence trop bénins pour recevoir des éloges sans équivoque.

Les femmes du XXe siècle ne manquent pas d’acteurs talentueux, dispersés de génération en génération, qui peuplent les mémoires formatrices de Mills – Annette Bening, Elle Fanning, Greta Gerwig, Billy Crudup et le jeune Lucas Jade Zumann.  Elle ne manque pas non plus de questions romantiques, familiales, féministes, musicales ou philosophiques à explorer. Il est triste que des gens qui écument sans but Netflix feuilletent indifféremment des films aussi nourrissants sur le plan de l’observation. La reproduction de modes de vie quotidiens aussi simples que les femmes du XXe siècle a pratiquement disparu dans notre monde moderne, laissant Mills – pour sa modeste et inébranlable intégrité – être un défenseur crucial et discret du cinéma à la voix douce au XXIe siècle.

8. Spring Breakers (2013)

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La réaction, qui s’annonçait divisée, à l’annonce de The Beach Bum vient de réaffirmer l’éminence d’Harmony Korine en tant qu’architecte classique culte flamboyant – l’homme a débuté sa carrière avec Gummo, ce qui lui a valu le respect de la clandestinité dès le premier jour. Mais ces derniers temps, la frontière entre l’art et les ordures ou entre les intellos et les intellectuels n’a guère été débattue avec autant d’ingéniosité que dans l’enquête culturelle qu’est Spring Breakers, qui a plus à l’esprit que les préoccupations des bimbos de jardin qui s’adonnent à la débauche.

Conflattant les fantasmes universitaires avec un drame policier étouffant (faut-il mentionner James Franco à son plus excentrique?), le film anticipe des réponses acrimonieuses. Mais la satire décadente n’est pas exactement incognito, pas plus que sa gravité détachée. La femme de Korine, Rachel, joue le rôle de l’une des quatre femmes fauteurs de troubles, ce qui suggère une divergence dans les délibérations féministes du film, en particulier lorsque Spring Breakers transforme les visages familiers de Disney Channel, Selena Gomez et Vanessa Hudgens, en ne’er-do-wells impétueux. Il y a tellement de subtilités sous-cutanées à la sulfureuse et élégante que la descente dans l’hédonisme devient un mélange menaçant d’extase et d’ennui. Vous venez d’une autre planète!

7. Heaven Knows What (2015)

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Dans un monde méritocratique, les frères Safdie auraient leur double voie vers l’adoration des prix, alignée avec la sortie pour les fêtes de leur célèbre thriller Uncut Gems. Il y a quelques étés, la ferveur fébrile de Good Time a donné à l’équipe de réalisateurs l’influence qu’elle méritait. Cependant, Heaven Knows What, plus puissant et moins ostentatoire que Trainspotting ou Requiem for a Dream en ce qui concerne les films d’héroïne obligatoires, est cruellement ignoré des cinéphiles et inconnu de tous.

Texture d’un réalisme réaliste, même dans les passages les plus oniriques de sa palette kaléidoscopique, Heaven Knows What prend une photographie très détaillée de la dépendance américaine, sans aucune trace de jugement ou de condescendance. Il pénètre à travers la fonction délabrée et le langage du junkie pour éclairer sans détours les désirs humains primitifs et impulsifs. Au milieu de l’adrénaline momentanée et de l’atrophie ultime, Dieu sait quoi vous prend comme une habitude – c’est glorieusement sinistre.

6. Calvary (2014)

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The Guard a été le point de départ de John Michael McDonough, qui a trouvé le meilleur des clichés sur les copains flics et a créé une farce de la police des petites villes. Le Calvaire est un tout autre animal – c’est une fable existentielle décourageante, qui met en contraste la méchanceté impitoyable du monde avec la foi religieuse désespérément contestée d’un homme. Brendan Gleeson est indispensable à Calvary et à la carrière de McDonough. Sans la lassitude de Gleeson, ce film ne serait pas très réussi.

Avec son autoproclamé une partie d’humanisme, neuf parties d’humour de potence, le drame comique noir de McDonough est à la fois cynique et juste, modérant les observations intuitives et l’absurdité mortelle par des sections de dialogues et de diatribes articulés et cérébraux. Il y a beaucoup de pilules aigres que McDonough vous oblige à avaler – les principaux sujets du Calvaire sont l’alcoolisme, les agressions, le meurtre et le suicide. Pourtant, il est capable d’aborder discrètement et avec tact les deux épisodes d’esprit tranchant et de plonger dans une vérité sans gaieté. Avec le temps, ce récit modérément négligé sera considéré comme l’un des films les plus remarquables d’Irlande.

5. Knight of Cups (2016)

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La dernière période de la carrière de Terrence Malick a peut-être été le sujet le plus controversé de la critique cinématographique contemporaine. Après quatre projets sélectifs en 25 ans, Malick a inversé son éthique de travail en une agitation prolifique – il a généré un surplus de productions (six films dont le septième intitulé The Last Planet est en cours) en moins d’une décennie.

Les démonstrations expérimentales de ce cycle ont attiré les détracteurs les plus virulents de l’auteur reclus et lui ont valu les plus fervents admirateurs. L’arbre de vie est l’exception incroyablement divine à la polarisation, considérée par beaucoup comme son chef-d’œuvre. To the Wonder a l’intégrité d’une confession romantique, mais par la vaporisation de Song to Song et l’ennui cosmique de Voyage of Time, il semble que Malick ait officiellement reculé dans l’absence de but, bien que A Hidden Life vienne tout juste de racheter sa dignité. Dans le mélange, Knight of Cups s’est révélé être son improvisation la plus organique et la plus fructueuse – une réalisation sublimement arrangée du dysfonctionnement du paradis, une propagation égale de la divination inspirée du tarot, de l’allégorie théologique et du mécontentement domestique.

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Comme tout tableau de Malick, Knight of Cups se dissout dans une introspection personnelle ainsi que dans des spéculations sur la place de l’homme dans l’énormité de la nature et dans notre propre environnement artificiel. L’errance de Christian Bale, scénariste hollywoodien, aiguise progressivement sa solitude à travers six circonstances sensuelles autodestructrices: Imogen Poots, Cate Blanchett, Freida Pinto, Teresa Palmer, Natalie Portman et Isabel Lucas élucident les allusions paradisiaques et l’angoisse émotionnelle du film.

Même les enthousiastes doivent admettre que le titre de chevalier de coupe est synonyme de suffisance et – osons le mot – de prétention. L’exigence de mélancolie masculine riche et blanche existe sur un plan de à prendre ou à laisser, comme la plupart des créations impénétrables de Malick – soit on rejette complètement le film, soit on cède à l’universalité d’un désir insatiable. Néanmoins, les opposants doivent admettre que les expressions approfondies et consommées de la cinématographie de glissement d’Emmanuel Lubezki et le montage denté et non relié à l’espace transmettent une sensation d’un autre monde que la plupart des films narratifs conventionnels ne peuvent même pas communiquer ou imiter de loin.

4. Under the Silver Lake (2019)

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Après que It Follows soit devenu l’un des films d’horreur les plus marquants de l’époque, A24 ayant perdu confiance dans le néo-noir surréaliste de David Robert Mitchell, le grand public ou les deux ont laissé Under the Silver Lake sans véritable public. Étant donné le nombre de fois où la société de distribution indépendante a délibérément mal commercialisé quelque chose au nom de ses intérêts en matière d’art et d’essai, il s’agissait d’une gaffe hypocrite.

Le film en question, qui a été déshonorablement diffusé aux masses dans un format incorrect via Amazon Prime, est un texte profondément envoûtant sur le voyeurisme, la culture insulaire de Los Angeles et l’absence de mystère dans le monde postmoderne. C’est aussi la preuve irréfutable de tous les angles sombres et sinueux laissés dans la noble urgence du noir. Under the Silver Lake est tellement envoûtant qu’il suffit de ratatiner les réserves que vous auriez pu laisser aux cadres des studios et aux critiques reconnus.

Le vagabond lascif et abandonné d’Andrew Garfield est un protagoniste plus mou en compagnie d’autres grands noms du cinéma – The Dude of The Big Lebowski, Doc Sportello dans Inherent Vice – et le film porte fièrement ces influences et d’autres encore (David Lynch, Alfred Hitchcock, d’innombrables autres stimuli culturels cités) alors que Mitchell savoure et peaufine les traditions de son genre.

Under the Silver Lake garde son idéologie sceptique et anticonformiste au cœur même si les significations subliminales ne sont pas aussi camouflées que prévu. Le film est toujours follement visionnaire et perpétuellement envoûtant – l’ambitieux socle de Mitchell est construit sur des faux-fuyants, la spontanéité sexuelle, la méfiance technologique, l’obscurité méthodique et des conspirations énigmatiques. Né du passé – avec un remerciement particulier pour la notation désuète de Disasterpeace – et stimulé par une créativité nouvelle et sans nuage, Under the Silver Lake a une signification scopophile assez profonde.

3. Mistress America (2015)

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Tout comme d’autres moments forts de la légende de Noah Baumbach – Le calmar et la baleine, Frances Ha – Mistress America est piquante, profonde et riche en idées qui méritent d’être méditées pendant à peine plus de 80 minutes. Cette comédie à l’humour déjanté pourrait bien être la plus hermétique, la plus exhaustive et la moins écoutée de son époque. En tant que successeur immédiat de While We’re Young en 2015, la sortie discrète de Mistress America a donné l’impression d’un après coup peu convaincant.

Cependant, grâce à l’aide inestimable de sa partenaire d’écriture et romantique Greta Gerwig, la magie – les échanges éloquents et révélateurs, la dynamique instinctive des personnages, les coups de poignard du montage – s’est manifestée aussi facilement que dans Frances Ha, leur première collaboration écrite et le point culminant de la filmographie de Baumbach avant Marriage Story. L’ironie dramatique et la sagesse authentique s’harmonisent rarement dans les mêmes lignes de dialogue, sans parler des extraits qui témoignent de leur savoir-faire, même complètement hors contexte.

Mistress America peut sembler mineur à l’extérieur, mais le contenu de son scénario impeccablement acerbe s’épanouit dans l’intimité du grand théâtre. Tout cela s’inscrit dans la volonté inégalée de Baumbach de souligner les défauts sociaux habituels en dressant un miroir à la mesquinerie humaine afin que nous puissions nous aussi aborder nos propres prétentions et solipsismes triviaux, presque imperceptibles.

Gerwig et Lola Kirke offrent de jolis tournants alors que le couple de sœurs spirituelles, le spectre violet de la bande-son complète les ondes de synthé luxuriantes et les thèmes, les personnages et la satire propulsive de Baumbach n’ont jamais été aussi vivaces. Incisif, écumeux et douloureusement drôle, Mistress America est un film irréprochable et un excellent texte féministe en ce qui concerne l’écriture partielle de Gerwig.

2. The Ghost Writer (2010)

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Si vous pouvez séparer l’art de l’artiste – et vous devriez vraiment le faire, comme la façon dont vous pouvez reconnaître le Triomphe de la volonté comme un impératif de l’histoire documentaire sans saluer Hitler vous-même – Roman Polanski est un auteur qui fait autorité et qui est très accompli. Et ses dons ne sont ni flagrants ni imposants, ce qui explique précisément pourquoi les coups de génie moins connus du réalisateur – Le couteau dans l’eau, Le locataire, Frantic – peuvent passer inaperçus.

L’écrivain fantôme est un film que vous pourriez regarder sans problème sur le câble. Il ressemble à ce livre de poche que vous vouliez lire et dans lequel vous vous plongez inopinément pendant les jours les plus pluvieux. Les prouesses palpables du film en tant que thriller politique prudent n’ont pas encore atteint le sommet de sa catégorie depuis ses débuts début 2010 et n’ont guère été appréciées pour sa suprématie modérée.

À l’instar des gratifications sous-estimées de La Neuvième Porte de 1999, il s’agit d’un mystère noir de mauvais augure, à l’esprit littéraire, doté d’un formalisme académique et d’une austérité effrontée, même et surtout dans ses moments les plus banals – bien que l’apathie soit inexcusable lorsque la partition symphonique tourbillonnante d’Alexandre Desplat est si délicieusement sinistre.

Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Tom Wilkinson, Olivia Cooke et Jon Bernthal peuplent le tueur de l’après-midi le plus riche que vous puissiez souhaiter – assurez-vous simplement de trouver la version britannique intitulée simplement The Ghost afin que les jurons étouffés du PG-13 réédités n’entravent pas votre entière satisfaction. Le chef-d’œuvre de fin de carrière de Polanski est un tutoriel sur les aspects les plus élémentaires et les plus enveloppants du contrôle directorial – son pouvoir éthéré est comparable à celui de Repulsion, Rosemary’s Baby et Chinatown.

1. Inherent Vice (2014)

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En reprenant les caractéristiques essentielles du roman policier hyperbolique des années 60 de Thomas Pynchon, Paul Thomas Anderson réduit judicieusement le vice inhérent pour l’adapter à l’ambiance groovy de son film le plus euphorique, le plus apathique et le plus serpentin. Ironiquement, le septième film d’Anderson est aussi un film de lucidité pratiquée, propulsé par un but narratif, peu importe combien de cinéphiles moyens facilement confus rejettent le film comme étant inutile ou alambiqué.

Si vous trouvez que l’enchevêtrement du discours de Doper, des secrets bureaucratiques et des intermèdes continus entre les personnages dans Le vice inhérent vous semble détourné, détourné ou autodestructeur, peut-être, juste peut-être, c’est l’essentiel du néo-noir agrandi de Pynchon, qui est très agréable à déguster. Anderson a affectueusement pris la mesure du géant littéraire du XXe siècle qui ne s’adapte pas (Le vice inhérent reste la seule version de Pynchon à l’écran à ce jour) tout en satisfaisant la partie la plus relaxante de sa trajectoire de carrière imprévisible.

Après la fatigue esthétique et dramatique qui a suivi la conception laborieuse de The Master de 2012 – l’opus le plus fier d’Anderson et sans doute l’un des tableaux les plus inégalés de la décennie – la création d’une distraction superlativement désinvolte a probablement été un soupir de soulagement artistique et une plongée libératrice dans la liberté d’auteur.

Avec suffisamment de familiarité et de compréhension du film d’investigation en cascade, du mélange hypnotisant des nonpareils vernaculaires de Pynchon, des vibrations originales et sélectionnées de Jonny Greenwood, de la cinématographie pratique et chatoyante de Robert Elswit et de la distribution sans faille, Les performances passionnées d’un ensemble extrêmement talentueux (dirigé par Joaquin Phoenix dans le rôle du détective étourdi qui a mis fin à tout cela, sans parler de Josh Brolin, Benicio del Toro, Joanna Newson, Katherine Waterston, Owen Wilson, Reese Witherspoon, Eric Roberts, Martin Short, Jena Malone et Maya Rudolph) vous plongent dans un tourbillon de délire hypnogénique, au moins une fois que vous avez finalement échappé au filtre du plébiscite.

Le vice inhérent est l’une des manifestations les plus évidentes du fait que les films – du moins les grands – encouragent un nombre indéfini de révisions, en particulier lorsque le degré de détail dense et divin d’Anderson évoque avec goût les thèmes intemporels et évidents de Pynchon. Inherent Vice est un film psychédélique qui marque un tournant et qui maintient le noir en vie avec enthousiasme dans un courant de conscience imprévisible et précis. Le long adieu de la nouvelle ère n’a pas accumulé toutes les acclamations de sa réévaluation méritée depuis la fin de 2014, malgré la transmission d’une clairvoyance transcendante aussi ardente que l’évasion épique.