Les 9 meilleurs films des années 1970 sur Netflix en ce moment

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Les années 1970 ont été une époque où l’expérimentation est devenue la marque de fabrique de la plupart des films et des cinéastes populaires. C’est une décennie qui nous a montré comment on peut expérimenter même avec des films grand public, et que le réalisateur devrait avoir le dernier mot sur ce que le film devrait ressembler ou ressentir. Après que les tumultueuses années 1960 se soient terminées par la mort de quatre rockstars majeures, Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin et Jim Morrison, l’ère flower power de paix et d’amour s’est arrêtée net.

Les années 70 deviennent une ère d’excès. La cocaïne inondait les marchés des États-Unis, et le rock ‘n roll s’est transformé en hard rock, punk, heavy metal et disco. C’est à cette époque que la jeune génération allait devenir des figures culturelles majeures. Led Zeppelin prend le monde d’assaut tandis que les Movie Brats, Martin Scorsese, Steven Spielberg, George Lucas, Francis Ford Coppola et Brian de Palma deviennent les plus grands cinéastes américains. Leurs films ont été accaparés par la jeunesse américaine, et c’est devenu la première fois dans l’histoire du cinéma américain que les réalisateurs sont devenus les héros de leurs films.

Scorsese a commencé la décennie avec son deuxième long métrage ‘Boxcar Bertha’ (1972), puis a réalisé son premier film avec son collaborateur préféré Robert De Niro – ‘Mean Streets’ (1973). Après le léger succès de 1974 avec Alice Doesn’t Live Here Anymore, Scorsese se fait connaître dans le monde entier avec Taxi Driver (1976). Ce film lui vaut la plus haute distinction du Festival de Cannes, la Palme d’or. C’est un ami de Scorsese, Steven Spielberg, qui a révolutionné à jamais le marché du cinéma avec son deuxième film en salles, Les Dents de la mer (1975). Le film est devenu le film hollywoodien le plus rentable de tous les temps à l’époque et a introduit le concept du blockbuster d’été qui est en vigueur jusqu’à aujourd’hui.

Or, George Lucas, le cher ami de Steven Spielberg, n’était pas quelqu’un à laisser de côté, et en quelques années, il a pulvérisé le record des Dents de la mer avec sa Guerre des étoiles (1977). La personne qui a probablement eu la meilleure série de films dans les années 1970 est Francis Ford Coppola. Il a commencé la décennie avec Le Parrain (1972), puis a remporté la Palme d’or avec La Conversation (1974). La même année, son Parrain II est sorti et a reçu un accueil tout aussi positif, sinon plus, du public et de la critique. Il termine la décennie avec un autre classique, Apocalypse Now, et remporte à nouveau la Palme d’or. Coppola a remporté un total de sept Oscars dans les années 1970.

Les années 1970 sont également une période post-Watergate, et naturellement, le sentiment d’insécurité qui a saisi l’Amérique après le scandale de la surveillance se reflète dans d’autres films importants de la décennie, principalement ‘All The President’s Men’, qui traite directement de cette question. The Parallax View (1974) est également un film de la même veine. Les films d’horreur ont connu leur propre tournant dans les années 70 avec L’Exorciste (1973), réalisé par William Friedkin. Friedkin a également réalisé deux films importants au cours de cette décennie. ‘The Boys In The Band’ (1970), un drame traitant des questions LGBTQ, et ‘The French Connection’ (1971).

Avec seulement ces quelques réalisateurs sélectionnés, nous voyons comment les années 1970 sont devenues une décennie importante dans l’histoire du cinéma, non seulement sur le plan esthétique mais aussi sur le plan du marché. Cette décennie doit être étudiée dans les moindres détails si l’on souhaite saisir le fonctionnement d’Hollywood dans sa globalité. Pour ceux d’entre vous qui aiment les années 1970 et qui souhaitent découvrir les films de cette décennie, vous êtes au bon endroit. Voici la liste des très bons films des années 70 sur Netflix, disponibles en streaming dès maintenant. La liste comprend un éventail de titres de Bollywood et d’Hollywood.

9. Salaakhen (1975)

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Réalisé par A. Salaam, ‘Salaakhen’ est l’histoire de deux amis d’enfance perdus de vue depuis longtemps qui se rencontrent et tombent amoureux à la fin de leur vie dans des circonstances très différentes. Chander (Shashi Kapoor) et Seema (Sulakshana Pandit) sont les personnages centraux de l’histoire. Alors que Chander est un escroc et un voleur, Seema est une chanteuse professionnelle reconnue. Ils ignorent qu’ils se sont connus dans leur enfance. Mais les choses changent pour le pire lorsqu’ils se rendent tous deux, à l’insu de l’autre, dans leur lieu de naissance pour des raisons complètement différentes. Alors que Seema s’y rend pour une occasion religieuse, Chander se dirige vers le village pour se faire arrêter. Un gangster lui a promis une grosse somme d’argent s’il parvient à se faire arrêter. Les choses se compliquent encore lorsque Seema et Chander se rencontrent au village et réalisent leur histoire commune.

8. Manoranjan (1974)

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‘Manoranjan’ est une comédie romantique de 1974 réalisée par la superstar indienne Shammi Kapoor. Le film est un remake de ‘Irma La Douce’ de Billy Wilder (1963). Un policier débutant honnête, l’agent Ratan Sheru (Sanjeev Kapoor), est le personnage central du film. Ratan a été chargé de patrouiller dans la rue Manoranjan, un quartier tristement célèbre pour ses nombreuses maisons closes. Pendant son service, Ratan voit un groupe de personnes qu’il pense être des trafiquants et appelle des renforts pour les arrêter. Il est révélé que le patron de Ratan fait partie des hommes qu’il voulait arrêter, ce qui met son patron tellement en colère qu’il fait suspendre Ratan de ses fonctions. Au cours de la même nuit de service, Ratan rencontre une prostituée appelée Nisha dont il s’éprend. Nisha laisse Ratan rester avec elle lorsqu’il perd son emploi, et ils tombent lentement amoureux. Cependant, les choses dérapent rapidement lorsque Ratan est accusé de meurtre. Lors de sa sortie, le film a été critiqué en Inde pour sa représentation sans fard de la prostitution et de la sexualité.

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7. Benji (1974)

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Premier film de la célèbre série ‘Benji’, c’est l’histoire d’un chien et de son immense amour pour ceux qui s’occupent de lui. Benji est un chien errant qui est aimé par la plupart des habitants de la ville où il vit. La nuit, Benji se réfugie généralement dans une maison abandonnée et délabrée. Ses meilleurs amis sont Paul et Cindy Chapman, qui sont les enfants d’un médecin local. Ils aiment et prennent soin de Benji malgré l’opposition véhémente de leur père à tout ce qui concerne les chiens. Mary, la bonne des Chapman, adore Benji et le nourrit régulièrement lorsque le médecin n’est pas à la maison. Benji parvient même à trouver une amie dans un joli chien blanc que les Chapman nomment Tiffany.

Benji, un jour, découvre que la maison abandonnée où il vivait est utilisée par une bande de criminels comme cachette. Ces criminels ont l’intention d’effrayer les Chapman pour obtenir de l’argent, mais finissent plus tard par kidnapper Cindy et Paul. Personne d’autre que Benji ne connaît leur cachette et c’est maintenant à Benji de les sauver. Le film a été un énorme succès critique et commercial et a donné lieu à cinq suites. Le rôle de Benji a été joué par le chien Higgins, qui est devenu l’un des animaux les plus populaires de l’histoire du grand écran.

6. Jaws (1975)

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L’un des films les plus importants des années 1970, Les Dents de la mer est un film qui a révolutionné l’industrie cinématographique comme aucun autre film qui l’a précédé. Le film est une adaptation d’un livre du même nom écrit par Peter Benchley, qui a également coécrit le scénario avec Carl Gottlieb. Le film est centré sur l’île d’Amity, une destination touristique populaire en été. Richard Dreyfuss joue le personnage principal du chef de la police, Martin Brody. Lorsqu’une femme est violemment attaquée et tuée par un requin, Brody décide de fermer la plage. Cependant, le maire de la ville, Larry Vaughn, n’est pas d’accord avec Brody et ouvre la plage, mais le requin attaque à nouveau et fait de nouvelles victimes. Le maire conteste le fait que l’attaque ait été causée par un requin afin de ne pas affecter le commerce florissant de l’île pendant l’été.

Cependant, un océanologue, Matt Hopper, examine le corps d’une victime décédée lors de l’attaque et conclut qu’un requin d’une taille inhabituelle est à l’origine de l’attaque. Incapables de trouver un autre moyen d’arrêter le requin, Brody, Hopper et un chasseur de requins professionnel appelé Quint partent sur son bateau pour tenter de tuer le requin. Les Dents de la mer a été un énorme succès critique et commercial et est devenu le film hollywoodien le plus rentable de l’époque. Il a introduit la culture du blockbuster d’été. Spielberg a utilisé dans ce film une technique que Hitchcock avait perfectionnée à l’origine. Il s’agit de l’art de susciter la tension par la suggestion. Le requin est à peine visible dans le film, mais sa simple présence est suggérée à l’aide de sons et de mouvements de caméra si précis qu’ils provoquent un sentiment de peur chez le spectateur. Le film avait donné naissance à trois suites, mais aucune n’a pu atteindre le niveau de brio que Spielberg a réussi à atteindre dans ce film.

5. Monty Python’s Life of Brian (1979)

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Le troisième long métrage du groupe comique britannique Monty Python est considéré par beaucoup comme leur meilleur film et aussi parmi les meilleurs films comiques jamais réalisés. Le film suit la vie d’un personnage appelé Brian Cohen qui est né le même jour à Nazareth que Jésus-Christ. Les deux familles sont fondamentalement voisines. Cela crée une confusion parmi les Trois Rois de l’Est qui ne comprennent pas qui est leur véritable Messie. Brian grandit et devient un individu politiquement conscient qui rejoint un mouvement indépendantiste pour protester contre l’occupation romaine de la Judée.

Un jour, Brian rejoint un groupe de mystiques sur une place, et pour s’identifier comme l’un d’entre eux, il partage certaines paroles de sagesse qu’il avait entendu Jésus prononcer lors d’un de ses sermons. Cela attire soudain sur Brian une attention indésirable et des adeptes qui sont maintenant convaincus qu’il est le véritable Messie. Tout ce que Brian fait maintenant devient un miracle pour eux, et chacune de ses paroles est notée comme un sermon. Naturellement, cette attention que Brian reçoit l’amène à être remarqué par les gardes du roi. Alors qu’il tente d’échapper à ses partisans, Brian est attrapé par les gardes et condamné à la crucifixion.

‘Life of Brian’ a connu un énorme succès lors de sa sortie, de nombreux critiques le qualifiant de brillante parodie des films bibliques et d’une prise de position fabuleusement drôle sur la vie de Jésus. Cependant, se moquer des sujets religieux suscite naturellement la controverse, et le sort de ce film n’a pas été différent. Le film a été interdit dans quelques pays européens comme l’Irlande et la Norvège. Les Monty Python ont utilisé cette interdiction pour promouvoir davantage le film, en faisant de la publicité pour le film en Suède en disant: Tellement drôle, il a été interdit en Norvège!

4. Monty Python and The Holy Grail (1975)

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Autre chef-d’œuvre absolu des Monty Python, ce film est une satire du voyage du roi Arthur pour le Graal. L’histoire suit le roi Arthur alors qu’il prépare un groupe d’hommes que l’on appelle les chevaliers de la table ronde à partir en voyage avec lui. Les chevaliers portent des noms amusants comme Sir Robin, le pas-si-brave que-Sir-Lancelot, Sir qui n’apparaît pas dans ce film, et d’autres. Sur leur chemin, ils rencontrent des situations comiques qui deviennent le point central du film. Ils rencontrent un chevalier si obstiné qu’il continue à se battre même s’il a perdu ses quatre membres. Puis les éléments magiques du château Anthrax les troublent davantage. Le groupe de chevaliers tombe sur une grotte où se trouverait le Saint Graal, mais la grotte est gardée par le féroce lapin de Caerbannog, ce qui les empêche d’y pénétrer. Bien que les réactions à la sortie initiale aient été modérées à positives, Monty Python’s Holy Grail est devenu un classique avec le temps. Il est aujourd’hui considéré comme l’un des meilleurs films comiques de tous les temps.

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3. Annie Hall (1977)

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Le scénario magistral de Woody Allen et son brillant sens de l’humour s’épanouissent pleinement dans ce classique de 1974. Le film se concentre sur la relation entre Alvy Singer (Allen lui-même), et Annie Hall (Diane Keaton). Alvy est un comédien névrosé dont la relation avec Annie est truffée de problèmes. Leur relation finit par échouer et nous voyons Alvy essayer de comprendre les raisons de cet échec. Le film est ce que l’on pourrait appeler un film tranche de vie, sans intrigue définitive, mais certains moments qui capturent la relation entre les deux personnages principaux et leur tentative d’accepter leurs propres problèmes et insécurités. Le personnage d’Allen, Alvy, est un nerd névrosé, qui a de bonnes connaissances en arts, mais qui ne parvient pas à saisir l’art d’être un bon petit ami. Bien qu’Annie tombe amoureuse de lui, Alvy la voit marcher intimement avec un collègue, ce qui le met en colère. Il en résulte une confrontation entre les deux, ce qui conduit finalement à la rupture.

Il y a certains aspects postmodernes dans le film. Dans une scène, on voit Annie et Alvy faisant la queue pour regarder un film lorsqu’ils entendent un homme se plaindre de l’œuvre de Federico Fellini, disant qu’elle ne l’a pas touché aux tripes . Furieux, Alvy déclare qu’il serait heureux de frapper l’homme dans les tripes. De plus, lorsque la même personne exprime son mécontentement à propos du travail de Marshall McLuhan, Alvy fait soudainement intervenir McLuhan lui-même pour critiquer la personne en question. Le célèbre auteur Truman Capote a fait une apparition dans ce film. Capote ne fait que passer dans une scène où, en le montrant du doigt, Alvy remarque: Voilà le gagnant du concours de sosies de Truman Capote.

2. A Clockwork Orange (1971)

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Ce film témoigne de l’adage de son réalisateur: Si cela peut être écrit ou pensé, cela peut être filmé . Lorsque A Clockwork Orange est sorti en livre, il était déjà salué comme une œuvre littéraire unique à l’esthétique très novatrice. Mais lorsque le livre est tombé entre les mains de Stanley Kubrick et qu’il en a fait un long métrage, le matériau a surpassé son texte parent et a pris une vie propre. La brillante mise en scène de Kubrick, qui parvient à créer un univers en soi, nous offre une histoire qui se déroule dans un Londres futuriste. L’art de cette période est principalement unique, et c’est ainsi que Kubrick crée un sens du futur. L’architecture, la mode, les peintures, les sculptures de cette période sont laconiques, tout comme la moralité d’Alex DeLarge et de ses trois amis. Ce sont des lycéens, mais ils sont extrêmement impitoyables. Ils peuvent chanter des chansons tout en envahissant une maison et en violant une femme devant son mari. Ils prennent plaisir à brutaliser une femme jusqu’à la mort.

Cependant, la vie d’Alex n’est pas aussi lisse. Il se fait rapidement attraper par la police pour meurtre et est envoyé en prison. Là, les autorités disent qu’elles font une expérience, et demande un volontaire parmi les prisonniers. Alex accepte volontiers, et suit alors un processus au cours duquel il sera conditionné de manière à développer une aversion pour la violence. En fait, il ne pourra plus éprouver le moindre plaisir. Même sa musique préférée provoque en lui la même réaction. L’absolution totale du libre arbitre d’Alex suscite maintenant des questions dans de nombreux secteurs. Le film pose plusieurs questions importantes au public. Premièrement, la morale et l’éthique vont-elles s’effacer avec le temps? Deuxièmement, jusqu’où pouvons-nous accepter de renoncer au libre arbitre pour vivre en paix? Extrêmement controversé à son époque, Orange mécanique est aujourd’hui considéré comme un chef-d’œuvre. Lors de sa sortie initiale, le film a été critiqué par certains critiques pour sa représentation graphique de la violence et de la sexualité.

1. Apocalypse Now (1979)

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Les années 1970 se sont achevées avec un film qui résume parfaitement la progression de l’humanité vers une race plus dépravée: Apocalypse Now . Francis Ford Coppola a relevé le formidable défi de réaliser ce film, qui fait lui-même l’objet d’un autre documentaire, Heart of Darkness: L’apocalypse d’un cinéaste. Ce film est l’un des films de guerre les plus poignants jamais réalisés et il dépeint les horreurs de la guerre dans leur intégralité. L’histoire suit un officier supérieur de l’armée, Benjamin Willard, qui a été chargé par ses supérieurs de trouver et d’assassiner un officier supérieur véreux de l’armée qui a créé un culte autour de lui dans la jungle vietnamienne. Willard prend un petit groupe d’hommes et se dirige vers la destination, au plus profond du cœur d’un pays pillé et ravagé par la guerre.

Le voyage de Willard est le point central du film. Alors que Willard et ses hommes franchissent de nombreux obstacles pour atteindre leur destination, leur voyage prend une tournure symbolique. Il montre le gaspillage de la vie dans une bataille dont l’Amérique n’a rien à gagner si ce n’est sa fierté. La plupart des soldats qui se trouvent au Vietnam ont été enrôlés dans l’armée et ils veulent s’échapper. Ce traumatisme mental pousse beaucoup d’entre eux à la consommation excessive de drogues. Sur leur chemin, le groupe croise une flotte d’hélicoptères américains et leur commandant, le lieutenant-colonel Bill Kilgore.

Kilgore est le genre de personne qui s’épanouit dans la guerre. C’est un sadique complet, et il fait probablement partie des très rares Américains qui apprécient leur vie au Vietnam. Le groupe rencontre finalement Kurtz. Mais au moment où cette rencontre a lieu, le film a déjà montré clairement ce qu’il voulait faire, à savoir que gaspiller des vies humaines dans certaines batailles stériles est un délit. Le film a été un énorme succès pour Coppola et a scellé son nom comme l’un des meilleurs cinéastes de tous les temps. ‘Apocalypse Now’ a remporté divers honneurs à travers le monde, notamment la Palme d’or au Festival de Cannes.