10 meilleurs films basés sur des histoires vraies

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Il faut du courage et de l’habileté pour dépeindre un événement de la vie réelle en 2 ou 3 heures. Ces cinéastes ont fait preuve de courage en adaptant les histoires réelles en bobine et ont créé des œuvres d’art étonnantes. Nous jetons un coup d’œil aux meilleurs films basés sur des histoires vraies. Ces films sont soit basés sur des personnalités réelles, soit sur des événements de la vie réelle. Au cœur de ces films se trouve une histoire vraie, difficile à croire. Ces films prouvent vraiment que la vérité est parfois plus étrange que la fiction. Voici donc la liste des meilleurs films basés sur des histoires vraies. Vous pouvez regarder certains de ces meilleurs films d’histoires vraies sur Netflix, Hulu, ou Amazon Prime.

1. The Wolf of the Wall Street

Dans le monde des courtiers en valeurs mobilières, Jordan Belfort est une énigme, dirigeant sa société de plusieurs millions de dollars, Stratton Oakmont, à l’âge de 26 ans. Ses techniques pour gagner de l’argent sont pour le moins douteuses, mais personne ne peut ignorer son penchant pour la vente d’actions. Il était un talent égaré et après sa sentence, il s’est concentré sur la transmission de ses connaissances à des courtiers potentiels en bourse par le biais de son programme de conférences. Les gens normaux comme vous ou moi l’ignoraient jusqu’en 2013, lorsque Martin Scorsese a fait découvrir au monde entier le monde de Jordan Belfort, un monde de buveurs d’adrénaline, de sniffeurs de coke, de prostituées et de blanchisseurs d’argent, par l’intermédiaire du méticuleux Leonardo Di Caprio. Le spectateur sera assis sur des montagnes russes et se heurtera à une piste surchargée de jurons et de drogues.

Scorsese aime creuser dans le monde des ténèbres, en prenant un ton condescendant envers les personnages colorés qui ont gratté et griffé leur chemin jusqu’au sommet pour être ensuite enterrés par leur arrogance et leur avidité, à la manière de Macbeth. Alors que Casino et Goodfellas représentaient le monde souterrain endurci de l’Amérique, The Wolf of the Wall Street était un clin d’œil à la criminalité en col blanc toujours existante et Scorsese en a fait un bon repas de comédie noire. Filmer une biographie demande beaucoup de travail de fond, car il faut s’en tenir aux faits aussi longtemps que possible. À la fin, le spectateur se voit offrir un récit sérieux de la vie du protagoniste, parfois agrémenté d’une touche de sel et d’épices. Scorsese monte d’un cran. Non seulement il met en scène la vie du courtier en bourse fou avec une précision extrême, prenant le capitalisme à la gorge, mais il réussit aussi à lui donner un coup de poing comique parfait. Entièrement raconté du point de vue de Jordan, le film fait la part belle au sexe et à la drogue dès le début. Le moment où Jordan renifle de la coke dans les fesses de sa femme est devenu l’une des scènes les plus bruyantes du cinéma moderne. Scorsese a fait preuve d’audace en réalisant ce film, et cette scène ne fait que souligner les choses à venir. D’une manière ou d’une autre, le voyage de trois heures n’offre jamais un moment d’humidité, le spectateur est accroché tout au long du film, captivé par les longs plans de poursuite lorsque Jordan avance son point de vue ou par les moments de changement de plan fixe comme la scène du jet d’eau.

Leonardo DiCaprio met sans doute en avant sa meilleure performance dans cette satire. Il est arrogant, il est riche et il en est tout simplement trop fier. Le personnage de Jordan Belfort, plus grand que nature, correspond parfaitement aux chaussures de Leo. Ce film a prouvé la polyvalence de Leo devant la caméra, utilisant langoureusement des jurons et faisant éclater des pilules comme des bonbons. Le regard accroché, l’excitation frénétique dans les yeux ne diminuent jamais, même lorsque le stade de la paralysie cérébrale prend le dessus. Il rampe, s’accroche et gratte pour faire les choses bien dans son coin. Il fait face à des enjeux élevés et obtient les résultats qu’il souhaite, quoi qu’il arrive. Leonardo DiCaprio joue quelque chose à des kilomètres de sa zone de confort et le cloue à la perfection. Margot Robbie est une révélation et elle est aussi glamour et séduisante qu’un mannequin peut l’être. Avec ses yeux qui roulent, ses lèvres qui bougent et ses lentes promenades, Margot Robbie est Naomi Lapaglia pour la vie. Jonah Hill a donné vie à Donnie, l’assistant de Jordan, d’une manière insouciante, abusive et insouciante comme seul Hill peut le faire. Matthew McConaughey a eu un clignement des yeux et vous avez raté le rôle de Mark Hanna mais vous avez fourni le symbole culte de ce film: le cœur qui bat… hmm… hhmm… hmm… hmm.

La note de fond élevée de Theodore Shaprio fournit la cerise sur le gâteau. Il est incroyablement parfait, avec des rythmes lourds et des distorsions qui entraînent le spectateur dans l’extase. Martin Scorsese a voulu aller haut et a atteint le zénith. 5 nominations dans la catégorie supérieure lors de la 86e édition des Academy Awards n’auraient pas dû être la fin pour ce crack du cinéma. Bien qu’il ait remporté l’or au BAFTA et au Golden Globe, le premier prix leur a échappé. Peut-être que l’infamie de Belfort hantait encore les réalisateurs. Dans un tout autre ordre d’idées, devinez quel film a fait le plus grand usage du mot F, avec le comte à 569 ans?

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2. Zero Dark Thirty

L’histoire de la plus grande chasse à l’homme de l’histoire pour l’homme le plus dangereux du monde ne peut certainement pas être lue à l’heure du coucher. Elle est éreintante, horrible, épuisante et héroïque, prouvant la capacité de l’Amérique à se venger de celui qui avait détruit une partie précieuse de leur nation et qui avait fait peser sur le monde une puissante menace après la guerre froide. La deuxième aventure de Katherine Bigelow raconte ce récit, bien que d’un point de vue fictif, et montre, à sa manière macabre, jusqu’où les services de renseignement américains ont dû aller pour découvrir la vérité et se débarrasser de la personne qui les avait tourmentés, physiquement et mentalement. Maya, ramenée à la vie par une robuste Jessica Chastain, est peut-être fictive, mais en effet, la force américaine contenait des dizaines de Mayas qui, au cours de ces dix longues années, avaient perdu leur famille, leurs amis et leur âme, à la poursuite d’un homme, qui était à l’origine de tous les problèmes. Zero Dark Thirty est l’hommage de Bigelow à ces personnes qui ont risqué leur vie, dans l’espoir d’assurer un avenir meilleur au pays et au monde.

2 mai, 2011 00:30 AM a marqué la fin de l’homme le plus détesté de la Terre, après Adolf Hitler. Le voyage qui a suivi a été étonnamment dépeint à travers les yeux d’un Maya, analyste du renseignement de la CIA, enthousiaste, beau et roux, qui a rejoint la force avec un seul but en tête: la poursuite et la capture d’Oussama Ben Laden. Le film ne montre pas seulement les efforts déployés, il symbolise également le changement de mentalité des responsables américains (symbolisé par Maya). Lorsqu’ils ont réalisé que la torture des suspects faisait plus de mal que de bien, ils ont eu recours à leurs recherches et à l’utilisation des meilleurs esprits disponibles pour la recherche. Zero Dark Thirty est aussi un clin d’œil silencieux aux prouesses d’une femme, montrant la force, la persistance et l’intuition de Maya alors qu’elle lutte pour trouver une place dans un monde d’hommes. Elle fait face à d’innombrables obstacles dans sa quête, à des impasses et même à des tirs et à une expulsion de l’ambassade américaine au Pakistan, mais elle reste fidèle à elle-même. Son intelligence et sa perspicacité psychologique sont récompensées lorsqu’elle est invitée à la réunion finale avec le directeur de la CIA avant que le plan ne soit présenté au président Obama. L’échange entre elle et le chef de la CIA, lorsqu’elle affirme habilement qu’elle est la personne qui a découvert la cachette de Laden, est remarquable et montre son courage d’acier, à savoir qu’une femme ne se lèvera pas à n’importe quel prix et n’ouvrira pas la voie à la domination d’un homme. C’est elle qui confirme le cadavre de Laden – l’un des hommes du SEAL – et prouve finalement sa valeur au pays et, en silence, à tous ceux qui l’ont minée. Elle s’effondre à la fin, quand tout est fini, la mission de sa vie et seulement un avenir incertain à regarder aussi vers l’avant.

Katherine Bigelow, après The Hurt Locker, fait preuve d’un plus grand pathos de guerre avec ce film. Un voyage de dix ans n’est pas facile à dépeindre, et pourtant elle le fait, assez facilement. Jessica Chastain n’est rien de moins qu’une merveille, montrant la profondeur du personnage comme si elle était née pour cela. Zero Dark Thirty mérite bien de figurer sur la liste des plus grands films de héros de la vie réelle de la décennie.

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3. The King’s Speech

Un téléspectateur moyen trouverait cela ennuyeux. En effet, le sujet n’est pas aussi séduisant que notre précédent candidat. Un roi d’Angleterre avec un bégaiement de désordre, qui finit par le surmonter pour donner sa première émission de guerre à la radio, ne suscite pas les cellules d’intérêt de la plupart d’entre nous. Cependant, le discours du roi transcende les limites normales de l’ennui grâce à la plus intrigante des performances d’un ensemble de musiciens de cette année-là et peut-être de cette décennie. Dirigé par les vétérans Colin Firth, Helena Bonham Carter, Geoffrey Rush, Guy Pearce et Michael Gambon, le sujet du film a été impeccablement mis en avant.

Il y a eu d’innombrables grandes performances de plusieurs acteurs de cette industrie cinématographique. Le Discours du Roi contient des moments de pure magie, qui font la transition entre les grandes et les plus grandes performances d’un individu ou d’un groupe d’individus. La toute première scène est un exemple de cette supériorité. Firth s’adresse à une foule immense à Wembley, son visage tendu trahissant l’anxiété à travers ses yeux et ses lèvres qui s’agitent. Il regarde la lumière rouge qui clignote à côté du micro. La tension, l’hésitation et la nervosité que peut ressentir une personne souffrant d’un trouble de l’élocution seront doublement amplifiées si on lui demande de s’adresser à une foule immense. Colin Firth, en tant que Duc de York bégayant, touche à ces subtilités dans le bon sens. L’expression de son visage lorsqu’il entend l’écho de sa première phrase J’ai reçu est inestimable.

La scène du discours final ressemble à un match de tennis, le spectateur reste collé à la fois sur Firth et Rush. Le gros plan est sur Firth la plupart du temps, car il donne son premier discours en tant que roi George VI et il ne déçoit pas. Il lit sans bruit un mot difficile avant de le prononcer, il a toujours cette nervosité en lui et il montre l’acier pour le tenir à distance et ses regards constants vers Rush qui se tient de l’autre côté du micro, cherchant un peu d’encouragement, et ce dernier s’exécute en souriant. Le sourire chaleureux de la fierté est parfaitement gravé sur le visage de Rush alors que Firth achève son discours.

Hooper connaît son appareil photo et il met toute cette connaissance ici. Il utilise intelligemment des objectifs de 14mm, 18mm, 21mm, 25, 27mm pour de subtiles distorsions, notamment une fois de plus lors de la scène finale du discours, lorsque la mise au point se fait sur Firth. Un autre aspect formidable de ce film est le cercle complet qu’il parcourt. La clôture se produit finalement dans la scène de discours finale et nous voyons des visages similaires dans le public, leurs visages portant l’anxiété du roi. La duchesse écoute en retenant son souffle, comme elle l’a fait lors du premier discours, une larme de satisfaction silencieuse coule sur sa joue à la fin. L’opérateur radio lui aussi a l’air incrédule alors que le roi George VI parle sans bégayer une seule fois et que la nation écoute alors que la guerre est déclarée à l’Allemagne.

La 83e édition des Academy Awards a connu un succès retentissant, King’s Speech ayant reçu 12 nominations et obtenu un tiers des prix, dont 3 des 4 premiers prix pour le film, l’acteur et le réalisateur, ainsi que pour le meilleur scénario de David Seidler. Bien qu’il y ait eu des concurrents pour le meilleur film, notamment un autre film sur notre liste, la catégorie du meilleur acteur était certainement méritoire. La disparition de Helena Bonham Carter est cependant triste.

King’s Speech est certainement l’un des meilleurs films de cette décennie, nous apprenant à avoir le cran de combattre nos propres démons. Juste ce dont nous avons besoin en ces temps de bouleversements.

4. 12 Years A Slave

En 2013, Steve McQueen a sorti un film sur un sujet très sensible qui a été touché et réécrit mille fois. Steve McQueen n’a pas creusé dans la voûte de l’imagination comme tant d’autres avant lui, choisissant plutôt de baser son film sur les mémoires narratives de 1853 d’un certain Solomon Northup du même nom. Et tout dans le film s’est avéré parfait; les critiques et les fans ont salué la précision historique et le récit de la biographie. Le film a remporté neuf nominations aux Oscars, et un modeste trois.

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Le troisième long métrage de Steve McQueen n’a pas hésité à souligner la brutalité nue que les esclaves devaient subir dans les États-Unis d’avant la guerre civile. C’est un film intense et captivant, le sang du spectateur va se recourber. L’utilisation flagrante de la physicalité par McQueen augmente encore la puissance du film, comme ses œuvres précédentes. Il aime mettre en avant les tourments du corps et la manière dont ces tourments affectent l’esprit d’une personne. Il regarde droit et montre droit. Il maintient la concentration et, pendant longtemps, il fait de longues prises de vue individuelles qui obligent le spectateur à regarder la barbarie alors qu’il aurait pu être contraint de détourner le regard au moins une fois. Il ne s’est pas éloigné de Salomon lorsqu’il était pendu à un arbre, la caméra a bougé avec lui lorsque le sujet s’étouffait et s’accrochait dans son combat pour la vie. Il utilise habilement la suite lorsque les autres esclaves lèvent les yeux pour voir Salomon lutter contre la vie mais s’éloigner, pour montrer l’horreur et la soumission des esclaves dans les anciennes plantations de coton des États-Unis. McQueen laisse ces scènes intenses hanter le spectateur, touchant une corde sensible et posant à chaque fois une question plus importante.

Le compositeur Hans Zimmer est une personne expérimentale et il aime faire de la musique pour explorer l’intensité du film, en découvrant les vérités sous-jacentes. Salomon était un violoniste accompli, mais c’est ce talent qui, ironiquement, l’a conduit à l’enlèvement puis à la vente en esclavage. Dans un autre registre, John Tibeats chante avec raillerie Run Nigger, Run, son ton débordant de haine, tandis que les esclaves au bord de la tombe chantent avec défi un Roll Jordan, Roll morbide, ce qui en fait l’un des moments les plus emblématiques du film et de la vie de Salomon.

Le casting ne pouvait pas être plus immaculé. Le duo de planteurs de la Ford de Benedict Cumberbatch et Epps de Michael Fassbander met en valeur le noir et blanc des âmes. Cumberbatch est doux et civilisé, mais un planteur jusqu’au bout des ongles. Il essaie de suivre les enseignements de la Bible, et finit par être compatissant. Mais il est impuissant quand il s’agit de séparer une mère de ses deux enfants ou quand il doit laisser partir Salomon à cause d’une tentative de lynchage. Il essaie d’être bon, mais seulement jusqu’à sa ligne de restriction. Cumberbatch trouve cette dualité à son goût et exploite le personnage avec une performance audacieuse. Epps de Fassbander ressemble davantage aux planteurs brutaux et sauvages dont l’histoire nous parle. Il croit en la punition et au fouettage et fait travailler ses esclaves comme des bêtes. Mais il y a un autre fil conducteur qui s’étend juste sous la surface et la performance de Fassbander en est la preuve. L’amour pour Patsey, la jeune esclave dont il abuse librement du corps et de l’esprit, associé à son dégoût de soi est un exemple parfait de la dualité humaine et Michael Fassbander prouve son calibre en l’exécutant parfaitement.

Lupita Nyong’O a remporté l’Oscar de la meilleure actrice de soutien dès son premier essai et aucun argument ne peut être avancé contre son cas. Son audace était remarquable et Patsey était férocement fière mais fragile. Elle a dû tolérer les mauvais traitements infligés à son corps et à son âme, mais elle s’est battue. Chiwetel Ejiofor a hésité à se mettre à la place de Solomon Northup, mais sa performance est tout simplement excellente. Ce rôle a nécessité un usage accru d’expressions sans paroles et ce sont les yeux et les lèvres de Chiwetel qui ont fait la conversation ici. Steve McQueen a placé la caméra sur son visage et il n’a pas déçu, même une seule fois. Sa position d’homme libre droit à esclave courbé est un exemple de la méticulosité qu’il avait mise en avant dans ce film. Le véritable tourneur a été sa démonstration de physicalité, son léger écartèlement des lèvres et le serrement des dents dans une rage cachée qui s’écrit en classe à chaque syllabe.

C’est un film gore à regarder mais néanmoins magnifique. Il faut porter une armure pour le voir, mais le génie de la réalisation et du jeu des acteurs le transcende à un autre niveau, faisant de 12 Years a Slave l’un des meilleurs films de cette décennie.

5. Argo

Agro est un film intelligent, non seulement pour la trame de l’intrigue mais aussi pour la simplicité avec laquelle Ben Affleck a raconté l’exfiltration de 6 otages américains d’une ville de Téhéran en proie à des troubles. Sa représentation du coup de l’agent Mendez n’était pas exagérée, remplie d’adrénaline et d’un drame d’action intense. Il était calme et posé, comme Mendez lui-même, alors qu’il prépare une histoire bidon de tournage de film pour jeter de la poussière au visage du rebelle iranien et sauver les 6 otages abrités par la bienveillante ambassade canadienne. Affleck n’essaie pas de faire des plans novateurs pour dépeindre la tension. Il s’en tient à l’essentiel et la haute tension est évidente tout au long du film. Argo est une leçon de direction pour tous les cinéastes en herbe.

Il est très facile de présenter un film de câpre, qui entre dans la catégorie des thrillers comme un bain de sang, un maniement d’arme à feu et une chasse à l’homme. Sur les sept personnes qui tentent de s’échapper, Mendez d’Affleck est le seul à pouvoir utiliser une arme à feu; les autres sont des diplomates en col blanc qui n’ont probablement jamais tenu un couteau pour se défendre. Le film glorifie en quelque sorte le cerveau plutôt que les muscles, car une bonne partie du jeu des personnages au cinéma suffit pour tromper les redoutables révolutionnaires qui soutiennent l’ayatollah Khomeini. Argo, une copie de Star Wars de science-fiction, était aussi authentique que n’importe quelle autre production hollywoodienne de catégorie B. Tony Mendez, Lester Seigel et John Chambers avaient préparé cette intrigue chez eux et l’avaient utilisée pour déguiser les diplomates en acteurs et en équipe de la production canadienne. Ben Affleck s’est appuyé sur les expressions subtiles de la distribution réelle pour mettre en évidence l’anxiété et la tension de la situation. Un plan grand angle montrant le salon de Ken Taylor, l’ambassadeur canadien, où l’assemblée racontait nerveusement des blagues et buvait du vin, laissant parfois les lignes d’inquiétude intérieures s’effacer sur leur visage. La joie refoulée sur les visages des Iraniens lorsqu’on leur présentait les storyboards du film était suffisante pour mettre en évidence leur simplicité d’esprit.

Argo n’est pas un documentaire. C’est un hommage à cette mission singulière que Mendez avait entreprise pendant la crise des otages iraniens en 79. Le spectateur ne doit jamais s’attendre à une leçon d’histoire de celle-ci. Ben Affleck est un excellent étudiant en cinéma et ces erreurs historiques ont été délibérées pour faire d’Argo l’un des films de câpre les plus intéressants de tous les temps. Si la dernière scène de poursuite sur la piste n’avait pas été tournée avec cette frénésie nerveuse, ou si la scène du Bazar iranien n’avait pas eu lieu, ou si l’ambassadeur canadien avait eu plus d’importance par rapport à Mendez, nous aurions eu affaire à un film documentaire ouvertement long sur la mission d’exfiltration. Agro n’aurait jamais été regardé et apprécié par des millions de téléspectateurs dans le monde entier. L’art, s’il est issu de l’histoire, a cette loi non écrite qui accorde à l’artiste une certaine liberté dans la représentation. Ben Affleck est assez intelligent pour inclure le titre d’appel Basé sur des événements réels après le titre du film. Malheureusement, malgré tout cela, Affleck n’a pas réussi à obtenir la nomination pour le meilleur réalisateur aux Oscars suivants.

Alan Arkin et John Goodman, représentant respectivement le producteur Lester Seigel et le maquilleur John Chambers, sont géniaux dans leurs seconds rôles. Ils incarnent sans effort le producteur hollywoodien qui se pavane comme s’il était fait pour cela. Leur sens du timing comique est louable, en particulier lors de la conversation téléphonique d’Arkin avec Affleck, qui citait la phrase d’accroche Argo, f*** yourself. Ben Affleck réalise une nouvelle performance solide, en jouant Tony Mendez avec aplomb. Ses yeux sont vraiment intelligents, ils regardent autour d’eux en cherchant des choses et en agissant en fonction des situations. Il est calme, posé et l’importance de la mission ne semble pas l’embourber à tout moment.

Argo parvient à créer un équilibre rare entre la substance et les arguments de vente, ce qui en fait l’un des films incontournables de cette époque. Ben Affleck se réjouit de sa direction et nous laisse en quelque sorte sur notre faim. Argo Ben

6. The Revenant

Alejandro G. Inarritu s’impose peu à peu comme le meilleur réalisateur de cette époque – d’abord avec la folle merveille à un seul coup connue sous le nom de Birdman, puis avec l’épuisante histoire de vengeance appelée The Revenant. Inarritu est tristement célèbre pour avoir fait dépasser les limites aux acteurs et à l’équipe, et il est allé trop loin avec cette histoire du légendaire pionnier et trappeur américain. La légende de Hugh Glass était relativement peu connue et avec cette biopic intense, l’histoire de survie d’un homme presque mythique de 1892 s’est révélée à partir des monticules de neige. Inarritu a dû jouer ses cartes avec audace, dépeindre un récit à peine documenté demande du courage et il en a beaucoup. Il s’en est sorti haut la main, en réussissant un autre chef-d’œuvre et en remportant son deuxième Oscar.

Ce récit étouffant est fait de puissance, de rage et de peur, ces trois éléments étant le carburant sur lequel tourne le moteur du film. Hugh Glass, après que leur camp d’expédition ait été percé par un groupe d’Arikara, se fait malmener par une ourse. Il survit, mais les autres partent, laissant derrière eux un Jim Bridger timide, son fils Hawk, à moitié Pawnee, et le dangereux John Fitzgerald. Ils abandonnent Glass, avec Fitzgerald qui tue Hawk devant son père, mais ils négligent la volonté de survie de l’homme fortuné. Glass survit et revient pour traquer ses abandonneurs et se venger d’eux. Inarritu filme cette odyssée dans un environnement et une technique aussi épuisants que le récit lui-même. Il est un travailleur acharné et attend la même chose de l’équipage. Son insistance à filmer en lumière naturelle et à utiliser des décors naturels pour ses prises de vue donne au film le regard neuf dont il a besoin et met à son tour à l’épreuve le courage de l’équipe. Les vedettes principales ne sont pas épargnées, Leo devant manger un foie de bison cru juste pour apporter de l’authenticité.

L’appareil photo, un ARRI 65 tout neuf, capture parfaitement le paysage sans reproche et la brutalité endurée dans la saga de Glass. Les prises de vue sont audacieuses et le directeur de la photographie Emmanuel Lubezki aide Inarritu à créer une atmosphère minutieusement froide sous un ciel impitoyable. Le tournage de la scène de l’invasion d’Arikara est presque comme si le duo montrait son talent. La caméra suit un personnage jusqu’à ce qu’il soit tué, fait immédiatement le point sur le tueur jusqu’à ce qu’il soit tué et ainsi de suite, monte et descend d’un cheval et plonge même sous l’eau pour capturer une noyade. La scène d’attaque de l’ours, bien qu’elle ait été altérée par un peu d’artificialité CG, est tout aussi excellente. La fureur rouge vif de la colère de la nature est exposée à travers cela et laisse le verre brisé avec des morceaux de chair et d’os béant et horriblement exposé à l’air. Les images que le duo peint n’obligent pas le spectateur à se soumettre aux plaisirs sensuels de l’image, mais induisent une sensation d’arrachement de la peau. Les scènes comme les paysages enneigés, les feuilles dans le monticule glacé et le minuscule croissant de lune dans le ciel nocturne sont d’une beauté anormale mais ont été représentées de manière fade, enlevant complètement le quotient émotionnel de l’image. Toute la bobine porte en elle cette indicible aura hallucinatoire, comme si le protagoniste était trompé par ses blessures scandaleuses et évoquait des moments tout à fait fantastiques. L’ensemble du film est musclé et se tient debout dans les bois froids et impitoyables de l’Amérique du Nord.

Leonardo DiCaprio met en scène la représentation de sa vie, dans un rôle qui ne lui demandait de parler qu’une douzaine de lignes de manière râpeuse à partir d’une gorge déchirée. Le portrait de Leo, ce trappeur du Wyoming, est physique, utilisant son corps, ses yeux et ses gestes pour exprimer des émotions fortes. L’expression d’une pure impuissance et d’une colère brûlante lorsque Fitzgerald assassine Hawk sous ses yeux, où Glass tire de façon poignante sur un élan avec une branche d’arbre au lieu d’un fusil, et l’émerveillement pendant ses hallucinations parlent de la perfection pure qu’il avait mise dans ce film. Leonardo diCaprio se transfère complètement, montrant l’agonie de l’exposition de sa propre chair à l’air. Il a rompu ses voeux de végétalien en dévorant le foie de bison cru. Faire cela pour le bien du film est pour le moins louable. Qu’il s’agisse de sucer avidement la moelle d’un os ou d’éventrer un cheval pour qu’il dorme dans sa carcasse, Leo avait mis son corps en jeu pour cette performance. Il était temps qu’il obtienne la plus grande récompense.

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Les acteurs de soutien ont réalisé de bonnes performances à plusieurs reprises, même si le film était entièrement centré sur le Lion. Tom Hardy était l’antagoniste parfait, impitoyable et sans pitié jusqu’au bout. Il a des yeux de pavot et est un homme endurci par les années. John Fitzgerald avait l’air menaçant et nous ne pouvons que remercier Tom Hardy, qui est un mercenaire. Will Poulter fait revivre le dilemme des émotions présentes chez le jeune Jim Bridger. La dualité se produit lorsque Fitzgerald lui ordonne d’abandonner Glass pour sauver leur vie. Il est tiraillé entre le devoir et l’égoïsme et ce regard proche des larmes s’exprime parfaitement. Domhall Gleeson donne une représentation de bord droit dans le rôle du droit Andrew Henry.

L’Alliance est tendue et sauvage. Inarritu rend justice à ce film avec sa volonté et son talent. La saga est un must et est l’une des meilleures créations de l’art.

7. The Social Network

Facebook est une révolution dans nos vies et Mark Zuckerberg est le révolutionnaire brillant, souriant à la fin de tout cela. La lutte, les nuits blanches interminables à Harvard et les douleurs du début de l’âge adulte résument un voyage qui s’est avéré héroïque dans chaque syllabe. Tout le chemin a été dépourvu d’effusion de sang, mais a traversé une zone de guerre, truffée d’accusations, de politique et de trahison. Il en est ressorti fort et Mark Zuckerberg est devenu un nom connu dans le monde entier. On ne peut pas se faire cinq millions d’amis sans se faire quelques ennemis. C’est vrai.

David Fincher peut être considéré comme l’un des grands de cette époque. Il a un penchant pour le suspense et une dévotion pour l’art comme nulle autre. Lorsqu’il s’agit de capturer les moments de tension d’un personnage, il triomphe à chaque fois de lui-même. Le mérite lui revient d’avoir repêché l’acteur de Justin Timberlake. Jesse Eisenberg a captivé le public du monde entier avec son portrait arrogant de l’énigme elle-même. Andrew Garfield a joué le parfait soutien, le silencieux mais fier Eduardo Saverin. Le public est déchiré: soutenez-vous votre héros qui a commis une ou deux erreurs visibles, ou choisissez-vous le Saverin moralement correct? Bien que les fondateurs du réseau social aient qualifié l’histoire de trop dramatique, ils n’ont pas pu s’empêcher de louer l’attention portée aux détails, notamment le célèbre héritage d’aviron de Harvard et la garde-robe de Zuckerberg et Saverin, qui était d’une précision étonnante.

Ce film est en effet l’une des meilleures histoires racontées sur un héros des temps modernes, non seulement pour la personne qu’il représente, mais aussi pour la façon dont il a été montré. Fincher a failli faire un autre thriller de la vie de Zuckerberg. Pas étonnant que ce dernier n’ait pas été aussi enthousiaste. Si vous ne l’avez pas encore regardé, faites-le. En attendant, Facebook me?

8. Lincoln

Daniel Day Lewis est une légende vivante. Trois Oscars comme meilleur acteur, de nombreuses autres nominations, un acteur de méthode comme aucun autre – cet homme est incroyable. Chaque fois qu’il se met devant la caméra, celle-ci se met à tourner sans bruit, juste pour capter ses émotions, le léger scintillement de l’œil, le sage hochement de tête, la démarche, les subtils mouvements de la main et le sourire complice (Oui je parle de sa performance en tant que M. le Président). Placez l’homme qui est polyvalent car la polyvalence permet à une personne d’être derrière l’objectif, et vous obtenez une combinaison à laquelle il est difficile de résister. Steven Spielberg avait créé un chef-d’œuvre avec une biopic il y a quelques décennies (Oskar Schindler quelqu’un?), et avec son interprétation étonnamment précise du 16ème président des États-Unis d’Amérique, l’homme qui a tout arrangé, M. Abraham Lincoln, il a de nouveau tissé sa magie sur le grand écran.

Le film est long, mais 3 heures est vraiment un temps très court pour dépeindre la vie et les réalisations d’Abraham Lincoln. Abolir l’esclavage n’était pas une mince affaire, et cela aussi alors que cette grande nation était engagée dans la plus grande guerre civile de l’histoire de la politique moderne. Mais ce rédempteur du Kentucky est allé jusqu’au bout et a fait entendre raison aux gens avec cette attitude toujours aussi calme. Il a gagné la plus difficile des guerres et, ce faisant, a fait apparaître un certain nombre d’ennemis. L’un d’entre eux, John Wilkes Booth, l’a assassiné de sang-froid, marquant ainsi la fin de ce qui avait été une histoire inspirante. Il était un héros dans tous les sens du terme et Daniel Day Lewis a parfaitement dépeint cette grande personnalité.

Le spectateur ne peut que s’émerveiller devant ce chef-d’œuvre cinématographique. Dans l’ensemble, Steven Spielberg est communément associé à des films d’aventure à succès comme Indiana Jones et Jurassic Park, mais il a montré plus d’une fois qu’aucun stéréotype ne peut le lier. Lincoln (2012) n’est qu’un exemple de plus de sa créativité. Daniel Day Lewis a remporté à juste titre son troisième Oscar dans la catégorie acteur principal masculin, un record. Il a dépeint Lincoln comme un maître du charme et des bonnes manières, imposant son autorité par une anecdote nonchalante, faisant en sorte que les autres soient prêts à lui faire plaisir et que les bonnes choses soient faites au bon moment. La fatigue d’un vieil homme et la lassitude de sa voix, épuisée après une longue vie et blessée par des catastrophes professionnelles et personnelles, sont immaculées par lui. Il est étonnant de voir jusqu’où Daniel peut aller pour entrer dans le personnage – la façon dont il a modifié la structure de son corps comme par magie pour en faire quelqu’un de courbé, mince et incliné, tenant la main droite avec la gauche derrière le dos, mettant en évidence l’état civil, le sourire lorsqu’il entend deux soldats noirs discuter de la guerre. Il a donné au spectateur une certitude d’espoir, même en ces temps de troubles. Il nous a fait souhaiter le retour de Lincoln.

Dans un autre ordre d’idées, nous voudrions remercier sincèrement Steven Spielberg pour avoir exorcisé le démon, appelé Abraham Lincoln – le tueur de vampires.

9. Captain Philips

En avril 2009, un marin marchand du Massachusetts (États-Unis), capitaine du MV Maersk Alabama, a fait preuve de cran et de nerfs d’acier, jusqu’alors inconnus, pour sauver le navire et son équipage des mains d’une bande de pirates somaliens notoires. Il a conçu un plan pour repousser les pirates et, lorsque son échec a permis aux pirates de monter à bord, il a fait partir les membres de l’équipage et s’est rendu à eux. En conséquence, il a été enlevé, torturé et presque battu à mort, mais il n’a jamais pensé à se rendre, ni le navire, ni l’équipage, ni la cargaison qu’il transportait. Jusqu’à la fin, il a essayé de négocier avec ses ravisseurs, en utilisant son esprit pour les sortir de cette adversité. Il a failli être tué, mais grâce à l’intervention opportune de l’équipe du Navy SEAL qui a tué trois de ses ravisseurs et capturé le quatrième. C’est un vrai fils de la mer, fidèle à son navire et à son équipage – quelqu’un dont Robert Louis Stevenson aurait fait un héros en un instant.

Les réalisateurs d’Hollywood ont leur tâche coupée lorsqu’ils veulent faire un film éponyme. La solution est simple: il suffit d’approcher Tom Hanks et le problème est résolu. L’homme est un Oscar de moins que Daniel Day Lewis, et comme il est le grand vin rouge du monde du cinéma, ce n’est qu’une question de temps avant qu’il n’emporte le troisième. Il est certainement l’un des acteurs les plus fluides à avoir gravi le grand écran – il prend la forme et l’âme de chaque personnage qu’il incarne. Prenez par exemple le capitaine Richard Philips, un chauffeur de taxi devenu capitaine, pris dans une situation tumultueuse. L’impuissance lorsqu’il découvre qu’il n’y a pas de défense suffisante à bord, le cran lorsqu’il prend des décisions de vie ou de mort et la volonté de se sacrifier pour le navire et l’équipage – chaque note a été chantée par Hanks, sans se désaccorder une seule fois. Il est l’incarnation parfaite du brave capitaine – dans l’uniforme bien repassé à la tête d’un navire fier ainsi que pendant les tortures physiques qu’il a dû subir plus tard.

Barkhad Abdi est une révélation en tant que capitaine pirate de sang froid et pauvre. La scène où il commande à Philips, Regardez-moi dans les yeux – je suis capitaine maintenant, donne froid dans le dos. Ses yeux brillent et émettent un signal de menace constant. Le fait qu’il le fasse parce qu’il y a été contraint, par la pauvreté et la faim, est mis en évidence dans ce sublime portrait. Un clin d’œil à l’Oscar du meilleur second rôle pour ses débuts dénote le pouvoir qu’il avait mis dans l’acte.

Il faut remercier Paul Greengrass de nous avoir offert un brillant pseudo-documentaire sur un héros des temps modernes. Associé à son travail de caméra à main urgent (Mrinal Sen quelqu’un??) et à ses reconstitutions authentiques de la situation, il place le spectateur en plein milieu de la crise, et lui permet de voir les deux côtés de ce dialogue. Bien que montré pendant une brève période, il est difficile d’ignorer le désespoir né de la négligence et des conditions inhumaines qui poussent les pirates somaliens à faire ce qu’ils font. La lutte de pouvoir entre les deux capitaines est montrée de façon experte et tous deux réalisent qu’ils ne sont que les pions d’un jeu bien plus élevé mais qu’ils ne peuvent rien y faire. Captain Philips est certainement l’un des meilleurs films de cette décennie et mérite une place dans cette liste.

10. The Imitation Game

Si le réalisateur et le scénariste bénéficient d’une pause dans les leçons d’histoire qui leur sont constamment imparties, The Imitation Game est un hommage silencieux aux héros de guerre qui n’ont jamais figuré dans les pages d’un livre d’histoire, mais qui ont été la colonne vertébrale d’une victoire très célèbre. Le mathématicien anglais extraordinairement brillant, queer, arrogant et homosexuel, Alan Turing et sa bande de joyeux lurons (et de joyeuses lurons) se sont avérés être le pivot autour duquel le destin de la Seconde Guerre mondiale s’est retourné en faveur des Alliés. Pourtant, l’histoire n’a jamais mentionné ces noms, et Alan Turing et compagnie s’est effacé dans l’oubli. Imitation Game met également en lumière le fait qu’une chose aussi superficielle que l’homosexualité pouvait ternir l’image d’un héros de guerre, le soumettre à quelque chose d’aussi horrible que la castration chimique et le pousser à quelque chose d’aussi honteux que le suicide. Ce n’est pas exactement la façon dont une personne qui a statistiquement raccourci la guerre en Europe de 4 ans, aurait voulu y aller. Bien que la reine Elizabeth II lui ait accordé une grâce royale posthume en 2009, il était bien trop tard. Le père de l’informatique théorique est l’un des meilleurs esprits qui soient et sa mort a ironiquement raccourci de beaucoup les progrès dans le domaine de la cryptanalyse.

Qui mieux que Benedict Cumberbatch pour jouer un mathématicien anglais idiosyncrasique? Grand, maussade, et l’intelligence qui brille dans ces yeux, Benedict était Alan Turing à la vie. L’homme était sérieux, distant et pourtant sympathique. La scène où il marmonne, presque en rougissant, lorsqu’il offre des pommes à ses collègues de travail qui ont été agacés par son comportement arrogant et son refus de partager ses idées avec quiconque – un mépris ultime pour des gens qui étaient aussi des génies dans leur propre domaine. Ils finissent par s’échauffer face à Turing, menaçant de démissionner si le travail était arrêté, à la grande colère de Tywin Lannister, oups! Désolé, Charles Dance dans le rôle d’Alastair Denniston, le commandant de l’équipe de renseignement britannique. Kiera Knightly soutient habilement Cumberbatch, dans le rôle de l’intelligente, jeune et charmante dame Joan Clarke. La scène où Alan rompt avec Joan est émouvante, montrant le côté sensible d’un monstre extérieur, ou plutôt surnommé par tous. Joan finit par conclure la même chose, ayant décidé plus tôt de rester avec Alan malgré ses tendances homosexuelles, en citant que deux personnes anormales étaient parfaites l’une pour l’autre. Elle trahit ses émotions amoureuses, giflant Alan pour sa décision avant de s’emporter. Une scène classique, mais qui a l’air tout à fait naturelle et déchirante.

The Imitation Game, un effort de Morten Tyldum, malgré ses défauts factuels, est brillant sur le plan cinématographique. Benedict Cumberbatch est un voleur de spectacle, et cette performance se trouve en haut de sa liste. Il est ce qu’Alan Turing a décodé, une Enigme.